Volvemos a las andadas, esta vez sin promesas de actualizaciones ni nada parecido, ya que ya son demasiadas las veces que he prometido y que he fallado en cumplir. Además, este año lo voy a tener bastante crudo en principio para mantener el ritmo a un buen ritmo de actualizaciones, así que sólo diré que intentaré mantener a flote el blog como pueda, pero sin promesas. Lo que sí es una promesa y que voy a cumplir sea como sea, será mi próxima actualización, sobre la película titulada Mind Game, una de las cintas de animación más controvertidas de la última década.

Pero antes de eso, voy a cumplir otra que hice recientemente, para que no se me demore más de la cuenta. Dado que el señor Fausto me propuso, junto a otros camaradas de la red, participar en un meme, yo no pude hacer más que aceptar la oferta.

Por una parte porque aunque sean una “chorrada”, los “memes” me gustan, los encuentro muy entretenidos y muy útiles si el tema en cuestión es interesante. Y por otro lado, y más importante, porque el señor Fausto es un hombre que admiro por su excelente gusto artístico, una gran capacidad de análisis crítico y por sus magníficos conocimientos acerca de materias como la historia o la economía, entre otras. Precisamente por todo esto, no he podido resistirme a aceptar su petición. Además, sólo por el hecho de haber sido elegido para participar en este ranking, ya indica que le parecería interesante saber mi opinión sobre este asunto que nos ocupa, el de las bandas / cantantes japoneses. Y este es uno de los mayores honores posibles para un servidor.

Así que sin más dilación, pasemos a mostrar mi particular meme sobre mis bandas / cantantes japoneses preferidos.

Antes de empezar, decir que dado que desconozco la intencionalidad original del “meme”, he decidido no sólo poner bandas, sino también entes individuales. De esta forma, voy a ser capaz de incluir en la lista ciertos personajes del panorama musical japonés que creo que se merecen un jequecito en esta entrada, que al fin y al cabo, aprovechando la oportunidad que me brinda el “meme”, va a ser una alabanza determinados personajes y bandas musicales del país del sol naciente.

Dicho esto, y sin orden jerárquico alguno, mis cinco elecciones son las siguientes:

Yoshida Brothers

Aunque no sea un fan acérrimo de este grupo, no he podido resistirme a ponerlos en la lista, ya que son un perfecto reflejo de lo que es el Japón de hoy en día: tradición y (post)modernidad. O tradición vs (post)modernidad, dependiendo de la persona.

Tal y como indica el nombre, el grupo está formado por los hermanos Ryōichirō Yoshida y Ken’ichi Yoshida, con la particularidad de que su instrumento principal no es ni más ni menos que un Shamisen (concretamente un Tsugaru Shamisen). Sin embargo, no se limitan (con total legitimidad) a interpretar canciones folclóricas nacionales, sino que en base a estos instrumentos, mezclan exitosamente sonidos de la música tradicional japonesa con otros estilos más contemporáneos como el rock. El resultado es de lo más interesante.

Os dejo para escuchar una de sus canciones más famosas, “Rising”, para que os hagáis una idea de cómo suenan:

Keiko Matsui

Ya son demasiadas las veces que esta mujer me ha hecho compañía mientras leía un buen libro. Y es que para las buenas ocasiones, hay que contar con buena música, algo que esta compositora sabe hacer con gran maestría.

Keiko Matsui, nacida el 26 de julio de 1961, en Tokio, es una compositora catalogada muy a menudo en el género del smooth jazz. Su carrera abarca tres décadas, habiendo lanzado una veintena de discos y habiendo recibido grandes críticas a nivel internacional. Tal reconocimiento le viene especialmente de las magníficas melodías de piano empleadas en todos sus discos, sus geniales actuaciones en vivo, y especialmente, por la fidelidad a un estilo que la artista japonesa ha ido mimando, cultivando y dejando madurar a lo largo de toda su extensa y prolífica carrera musical.

Sobre sus álbumes, debo reconocer que todavía no los he escuchado todos, pero si me lo permitís, yo os recomendaría especialmente dos: “Sapphire”, con canciones tan bellas como “Don’t turn on the light” o “Safari”; y “Doll”, con canciones tan preciosas como “Water Lilly” o “Postponed Summer”, entre otras.

Quería poneros la de “Postponed Summer”, pero en youtube no hay ni rastro de ella, así que os pondré con otra que también es perfecta para que os hagáis una idea de quién es la señorita Matsui, la de “Safari” en directo:

World’s End Girlfriend

Uno de los músicos más interesantes del panorama japonés actual, bajo mi humilde punto de vista. Y sí, lo he dicho bien, en singular. World’s End Girlfriend no es más que el nombre del proyecto musical del japonés Katsuhiro Maeda. Un músico bastante misterioso, que apenas concede entrevistas e inquieto donde los haya. A los 10 años empezó a componer música por su cuenta con una grabadora de cintas y algún instrumento como el piano o la guitarra, y a los 20 ya hacía colaboraciones con músicos consolidados del mercado nipón. Sin embargo, la fama y prestigio de Maeda llega en el año 2000, con la grabación de su primer álbum “Ending Story”, que obtuvo excelentes críticas no sólo en Japón, sino también a nivel internacional. Y desde entonces, Maeda no ha parado de sacar discos de una gran calidad y también de una gran variedad de estilos, hecho que demuestra que el músico ha ido progresando sin perder un ápice de aquella inquietud y curiosidad artística que ya tenía durante su infancia.

Calificar la música de World’s End Girlfriend puede no ser tarea fácil, pero muchos coincidirán conmigo al afirmar que su estilo musical es esencialmente postrock. Postrock con tintes de electrónica, música clásica y new age entre otras, dependiendo del álbum en cuestión. Por ello, también es difícil decir qué evoca este músico tan singular y porqué me gusta tantísimo. Pero lo intentaré explicar de forma breve.

Su música es profundamente inspiradora, en ocasiones excelsa y en ocasiones infernal y asfixiante. Sus álbumes siempre son largos, y al igual que la mayoría de discos del género postrock, hay que escucharlos sin prisas, con la intención de dejarse llevar por la música con tal de poder saborearlos. Es realmente un enorme placer escuchar a “World’s End Girlfriend” esas noches frescas, en las que la lluvia se dedica a llevarse los horrores y despojos de los hombres, y en los que la luna nos susurra su tristeza. Es en estos pequeños momentos cuando los álbumes de postrock se disfrutan más, y especialmente, los de Katsuhiro Maeda.

Los álbumes a recomendar, para mí, todos: Hurtbreak Wonderland, Farewell Kingdom, Seven Idiots, The Lie Lay Land, etc. y especialmente, a destacar el álbum que hicieron con Mono, titulado “Palmless Prayer/ Mass Murder Refrain”. Magnífico.

No sabría qué canción poneros, porque todas ellas son un mundo distinto. Así que os pondré dos canciones. La primera, que aunque no es ni de lejos la mejor del nipón, sí que es realmente interesante ver el video clip. No puedo aseguraros que os guste, porque es demasiado surrealista por así llamarlo, pero bien seguro que este video no os dejará indiferentes:

Y la segunda, tampoco os puedo asegurar que os guste. Sin embargo, a diferencia de la anterior, no os puedo asegurar que la disfrutéis no por la canción, que es preciosa, sino por el vídeo, que es francamente duro y crudo, e incluso algo cruel, compuesto por una sucesión de imágenes sobre la muerte del género humano. Si queréis, no miréis el vídeo, pero escuchad la canción, que vale la pena:

Envy

Para introducirlos de forma breve y concisa, se trata de uno de los grupos de hardcore / screamo con más prestigio a nivel internacional. Y con razón.

Fundada en Tokio en el año 1992, no fue hasta 1996 cuando los de Envy sacaron su primer álbum “Breathing and dying in this place”. Un álbum inusualmente corto (unos 15 minutos), pero que los consolidó como los grandes referentes del género hardcore japonés. A partir de entonces Envy comenzó a extender su red de fans por todo el sudeste asiático, hasta llegar a ser ampliamente conocido por todo Occidente. Ya habiendo entrado en el nuevo milenio, Envy se concentró principalmente en la producción de nuevas creaciones artísticas, teniendo como resultado álbumes de una gran calidad como “A dead sinking story” (2003) o “Insomniac Doze” (2006). Es precisamente con este último álbum, que Envy empieza a incorporar al hardcore elementos musicales de otro género musical: el postrock.

Tales filtreos con el postrock acaban cristalizando con su último álbum hasta la fecha, “Recitation” (2010), en que el estilo que se empezó a forjar con “Insomniac Doze” ya ha florecido y alcanza su máximo esplendor. Evidentemente, esta opinión es totalmente subjetiva, y bien seguro que no gustará a todos los fans acérrimos al screamo más puro. Pero es esta mezcla de hardcore y postrock la que hizo que me enamorara de este grupo, y la razón por la cual está hoy en este ranking.

Los de Envy consiguen sacar lo mejor de ambos estilos para fusionarlo en uno solo, con un resultado excelente. El lirismo, la sensibilidad y la excelsitud de las melodías del postrock, junto con la epicidad, la agresividad y los poderosos riffs de la música hardcore. Este es el estilo de Envy, un estilo capaz de emocionar con agresividad y de agitar con sus canciones más calmadas. Sin duda, un grupo realmente particular, que a un servidor le encanta.

La canción de muestra es precisamente del “Recitation” (que por si no se nota, es el álbum que más me gusta y es sin duda el mejor para iniciarse con la música de estos japoneses), y el vídeo es genial, simple pero bastante poético, vale mucho la pena verlo:

Mono

De las mejores bandas postrock de la historia, y una de mis preferidas.

Nacida en Tokio en octubre de 1999, e integrada inicialmente por Takaakira Goto (guitarra), Yoda (guitarra) y el gran Yasunori Takada (batería), dieron su primer concierto a principios de enero del 2000, y dos meses después, se les unía el último miembro del grupo, Tamaki Kunishi (bajo, principalmente).

El éxito de la banda fue asombroso, y no sólo a nivel nacional, sino también internacional, con el EP “Hey, you”, llegando a tocar en el Mercury Lounge de Nueva York a finales del mismo 2000. En los años siguientes, el cuarteto nipón lanzó una cantidad nada despreciable de álbumes, entre ellos el excelente “Under the Pipal Tree” (2001) y el magnífico “One more step and you die” (2003). A pesar de la precocidad de su éxito, y a diferencia de la mayoría de grupos que alcanzan el éxito de esta forma, el grupo no cayó en la mediocridad, sino que siguió sacando excelentes discos como el “You are there” (2006), “Palmless Prayer / Mass murder refrain” (2006) (en colaboración con World’s End Girlfriend, como ya hemos comentado anteriormente), o el soberbio “Hymn to the Inmortal Wind” (2009).

El género musical de estos japoneses es indudablemente, el postrock. El grupo describe su estilo como “la banda sonora del fin del mundo”. Todas sus canciones son instrumentales, con gran énfasis en las melodías de guitarra. Además, en sus composiciones podemos apreciar también ese minimalismo tan típico de la cultura japonesa. Cada disco suyo es un auténtico viaje por mundos desconocidos e inaccesibles sin la ayuda de la música. Y creedme, si el mundo que describen en cada uno de sus discos es realmente “el fin del mundo”, entonces ya se puede terminar el mundo. Porque lo que le sucede, es belleza en estado puro.

Es realmente difícil recomendar una sola canción para que os hagáis una idea del grupo, ya que lo importante es el conjunto del álbum, el trayecto en sí más que las paradas. Pero por poneros alguna, os pongo esta (atención, no os asustéis por los gritos, son los espectadores que están eufóricos!):

Y esto es todo, perdonad por el tocho, pero yo o lo hago largo o no lo hago. Espero que os haya entretenido y gracias a Faust de nuevo por invitarme a participar en la meme.

Hasta la próxima entrada.

De nuevo, demasiados meses han pasado desde mi última actualización. Mejor que no me ponga plazos ni haga promesas, porque cada vez voy a tener menos tiempo para mantener este blog a flote. Pero eso sí, aunque sea de vez en cuanto, iré haciendo actualizaciones. Aunque sólo sea para dar a conocer algún que otro descubrimiento que haya hecho recientemente y que  desee mostrárselo a mis humildes y silenciosos lectores.

Esta es precisamente la razón por la que actualizo: el descubrimiento de un mangaka que vale la pena conocer. Es bien sabida mi decepción por el mainstream del manga actual: carente de ideas originales, con un abuso vomitivo de recursos y tópicos tales como el fanservice o el moe, apostando casi únicamente por el efectismo hueco en lugar de buscar otras formas de conectar con el lector. No es tarea fácil encontrar algo verdaderamente original entre tanta ordinariez. Sin embargo, gracias a una entrada de la web del señor Reboot, descubrí a Asano Inio. En ella Reboot habló de otro manga del japonés (una de sus obras más importantes, “Solanin”), pero fue en esa review dónde Reboot también habló de anteriores obras del mangaka, y entre ellas figuraba la que aquí nos ocupa. Dado que había oído muy buenas críticas de ella, decidí darle una oportunidad. Y suerte que lo hice, porque me había perdido algo muy bueno. Así que sin más dilaciones, vayamos a ver de qué trata esta gran obra: “What a wonderful world”.

Asano Inio nació un 22 de septiembre de 1980, en la Prefectura de Ibaraki (Japón). Diplomado en la Universidad de Tamagawa, Asano ya dejó muestras de su talento a los 21 años, cuando se hizo con el primer premio en la competición “GX” para jóvenes autores. Fue a partir de entonces cuando Asano empezó a mostrar su increíble talento a la hora de narrar historias gráficas. Y lo hizo de una forma muy continuada. De 2002 a 2004 se dedicó plenamente a la elaboración de su primer gran manga, “What a wonderful world” (Subarashii Sekai); en 2005, terminó “Nijigahara Holograph”; en ese mismo año, acabó otra de sus obras más valoradas, “Before the dawn and the end of the world” (Sekai no Owari to Yoakemae); y en 2006, finalizó su obra más conocida, “Solanin”. Sin embargo, a pesar de la indiscutible calidad de sus obras, en Occidente, Asano todavía es un completo desconocido. Y evidentemente, aún falta mucho para que los aficionados al manga de España tengan noticias de este hombre, ya que sus obras están traducidas en su mayoría por fansubs anglosajones. Así que es muy difícil poder disfrutar de todo lo que ha hecho este hombre sin tener algunas nociones de inglés.

A grandes rasgos, “What a wonderful world” es una travesía a través de la cotidianidad de la prole del Japón contemporáneo. Sin aparentemente ningún hilo conductor en concreto, Asano nos narra las diferentes peripecias del día a día de numerosos personajes ordinarios y cómo estos afrontan sus respectivas realidades. Sin embargo, a pesar de lo que se pueda pensar en primera instancia, la idiosincrasia de este manga nos indica que no estamos delante del típico slice of life.

La primera peculiaridad de este manga son los protagonistas. Se trata de un manga con un casting absolutamente coral; aparecen una  gran cantidad de personajes, muchos de ellos anónimos, pero ninguno de ellos lleva la batuta de la historia. En cada capítulo, todos ellos auto conclusivos y sin apenas relación con su predecesor o sucesor, se nos presenta a una serie de personajes y la realidad en la que moran. Todos y cada uno de los personajes están realmente bien trabajados, muy bien definidos y llenos de los matices e incoherencias que tanto nos caracterizan a los seres humanos. Todo ello hace imposible que el lector no sienta empatía con alguno de ellos, y aún más difícil que no haya experimentado (directa o indirectamente) alguna de las múltiples realidades expuestas en el cómic. Muy pocos de los personajes gozan de otras apariciones en el resto de la historia, más allá del capítulo que les corresponde, y ello hace que este manga no goce de un protagonista visible. Pero es ahí dónde culmina una de las mejores virtudes de este cómic: la única y verdadera protagonista de la historia es la propia historia.

La historia es la gran protagonista, y a diferencia de la mayoría de mangas existentes, la historia de “What a wonderful world” es activa, dinámica y eterna. Y lo es por todas las temáticas que la componen: la precariedad laboral, la redención por los actos del pasado, la infidelidad, la reafirmación del individuo en el seno de la sociedad, la potencial distopía que se cierne sobre el futuro de los jóvenes, el sentido de la responsabilidad, etc. Los temas son inagotables, tantos como los que uno pueda encontrar en la vida misma. De hecho, la temática de las obras de Asano siempre giran en torno a este mismo eje: la supervivencia del individuo en la vida contemporánea a pesar de todos sus suplicios. Y cuando hablamos de supervivencia, entendámoslo no en el sentido original de la palabra, de simplemente sobrevivir en un entorno hostil, sino también de la supervivencia de la posmodernidad (o en otras palabras, la autorrealización personal, tan famosa gracias a la pirámide de Maslow).

Pero a pesar de todo lo mencionado, lo que convierte este manga en una obra maestra es el último ingrediente final: el estilo del propio Asano. El nipón hace gala de un estilo de dibujo muy personal (simple pero sin escatimar en detalles) y una forma de conducir las diferentes historias con un toque muy intimista. Este intimismo de Inio impregna a todos sus mangas de una sensibilidad y delicadeza sublime, convirtiéndose en el instrumento perfecto para infundir en los lectores los sentimientos deseados por el autor. Pero tan soberbia es su habilidad para transmitir emociones y conectar con el lector, como excepcional es su capacidad para diseccionar los problemas de la actualidad. Asano no tira de tópicos para dotar de consistencia a su obra, sino que observa escrupulosamente la realidad que le rodea, y utiliza sus utensilios de mangaka a modo de bisturí para mostrar al público, no solamente aquello que albergan los pequeños hechos del día a día, sino también las problemáticas de fondo de cada uno de esos temas, así como sus posibles soluciones o posturas adoptables al respecto. Y finalmente, enfoca estas distintas realidades desde una óptica completamente optimista, cuando lo más sencillo sería dejarse llevar por el pesimismo para así reafirmar la tesis “de este mundo no vale para nada”.

Así pues, el nipón consigue aquello que sólo los artistas dotados con el don de la virtud son capaces de realizar: partiendo de unos hechos locales e individuales, explica unas realidades que de hecho son universales y que están presentes hoy y en todo mundo, impregnándolas a su vez con la sensibilidad, dulzura y optimismo tan propios de su estilo.

Y es precisamente por eso, queridos lectores, que un humilde mortal occidental como yo, os insta a que le deis una oportunidad a este magnífico mangaka y a esta genial obra gráfica. Ya que, a pesar de que la existencia de obras artísticas tan espléndidas como “What a wonderful world” no solucionarán los problemas del planeta, al menos sí que ayudarán a que el mundo nos parezca un poco más maravilloso.

Demasiados meses han pasado desde mi última entrada, y lo lamento. La falta de tiempo y la pésima organización del mismo por mi parte, ha provocado que este blog pareciera un vestigio de una conciencia inquieta más de las muchas que pueblan la gran red. Sin embargo, y aprovechando que las vacaciones ya se acercan, he decidido poner fin a tan larga pausa y volver a dar a conocer a mis pocos pero humildes seguidores alguna de las obras artísticas que considero que todo ser con voluntad de madurar y evolucionar debería cuando menos conocer.

He decidido reactivar el blog con uno de los temas menos usuales del mismo, la música. Y además he decidido hacerlo con un grupo de indie rock alternativo (por intentar catalogarlos de alguna  manera), de gran talento y que a pesar de haber tenido cierto éxito comercial en el mainstream musical, sus componentes aún preservan fuertes rasgos de su época underground, como así indica su continua experimentación musical entre otras cosas y su capacidad de ir sumando constantemente fans de muchas generaciones diferentes. He considerado que la mejor manera de reactivar el blog era dando a conocer uno de sus álbumes más aplaudido por sus fans, el llamado I can hear the heart beating as one. Así pues, vayamos a conocer esta gran banda que nunca deja de sorprender, tanto por su originalidad como por la calidad de sus piezas, y que ha sido uno de los grandes descubrimientos musicales que servidor ha tenido el placer descubrir este año: Yo la tengo.

“Yo la tengo” es una banda estadounidense forjada en la localidad de Hoboken, en New Jersey. El matrimonio Ira Kaplan y Georgia Hubley formaron el grupo en el año 1984, y tras ir probando con varias alineaciones durante sus inicios, en los que sacaron álbumes como “Ride the tiger” (1986), “New Wave hot dogs” (1987) o “Fakebook” (1990), no fue hasta 1992, con el álbum “May I sing with me”, cuando el bajista James McNew, tras colaborar por primera vez con el dúo de Hoboken, pasaría ser miembro permanente del grupo. El trío de “Yo la tengo” estaba formado, y con esta alianza, el éxito musical y comercial empezó a abrazar al grupo. En 1993 sacan el álbum “Painful”, que supone el primer cambio drástico de su música con respecto a sus anteriores álbumes. En los 80’ dieron un mayor énfasis a la música rock ; en los primeros años de la década de los 90’ fue el folk y la música acústica la que fue ganando peso en sus composiciones. Pero con “Painful”, a la pócima hecha a base de rock y folk, se le añadió una combinación de sonidos ambientales (o incluso new age) con elementos musicales más propios del “noise” y del “shoegaze”. Y lo que en principio tendría que haber resultado un vulgar y caótico brebaje, al final resultó ser todo lo contrario. El grupo no hacía más que sumar estilos musicales, los cuales estaban mezclados en perfecta armonía, y ya empezaban a tener ciertos éxitos de venda (al menos en comparación con sus anteriores discos).

Pero fue en 1997, cuando el trío de Hoboken se consolidó de forma definitiva en el panorama musical internacional, con el lanzamiento del disco que nos ocupa: “I can hear the heart beating as one”. Muchos dicen que la novedad de este disco estriba en la incorporación de elementos de la música electrónica en la marmita musical del grupo, y que ello dio lugar al sonido tan peculiar, inclasificable e incluso psicotrópico con el que se conoce hoy en día a “Yo la tengo”. Esto es cierto, parcialmente. Basta con escuchar el álbum para comprender que no se trata de una simple cucharada de música electrónica; en absoluto, puede que haya elementos electrónicos, pero también los hay de bossa nova, noise jams, rock psicodélico, etc. Y no hay ningún género que sobresalga por encima de los otros. Y esto es una de las razones por las que con el paso de los años, “Yo la tengo” no hace más que sumar y sumar. Suman fans, suman éxito de vendas, y no paran de evolucionar.

Antes los he catalogado como un grupo de “indie rock alternativo”, pero hay algo de falso en tal afirmación. Lo cierto es que son un grupo tan bueno como inclasificable. En este mismo álbum, podemos comprobar que la pócima elaborada por el trío de Hoboken es tan difícil de clasificar como absorbente. Y si la catas, quedas irremediablemente atrapado. Te vuelves adicto a su música. Y tal efecto no se limita solamente al álbum que nos ocupa, sino que podemos extenderlo a muchas de sus obras posteriores como “And then nothing turned itself inside-out” (2000) o su último disco, “Popular Songs” (2009). En “I can hear the heart beating as one” se plasma perfectamente el carácter polifacético del grupo: hay canciones con una gran influencia de la música folk (como “One Pm again”); de shoegaze (“Deeper into movies”); de música con sonidos electrónicos (“Autumn sweater”, una de sus canciones más famosas) de música ambiental (“Green Arrow”); de noise jams (“Spec bebop”); de indie instrumental (“Return to hot chicken”, su corta duración es proporcional a su gran belleza); de bossa nova (“center of gravity”); o de noise rock (como “Sugarcube”, canción que pongo de muestra para que la escuchéis, y os pongo una versión en directo para que veáis como son en vivo).

Son sencillamente inclasificables, incatalogables y por encima de todo, unos auténticos artistas musicales. Pocos grupos son capaces de realizar una pócima musical de tanta calidad y originalidad como la del trío de Hoboken. Una pócima en constante evolución, que nunca es la misma, que nunca se repite y sobre todo, que nunca defrauda. Y aunque pueda sonar como una falacia, lo cierto es que esta gente no tiene ni un mísero disco aburrido. Algunos están mejores que otros, pero siempre mantienen un mínimo de calidad que ya supera con creces el panorama del mainstream musical actual. Y su éxito no radica simplemente en hacer buena música, sino que sin abandonar nunca el sello y estando en un estado de constante experimentación musical, con el paso de los años no hacen que seguir ganando fans. El éxito comercial no se les ha subido; continúan componiendo como cuando fueron antaño un grupo underground y continúan teniendo un grupo de seguidores fieles que no hace más que crecer.

Si os gusta la música original, sorprendente, adictiva, psicotrópica y de calidad, entonces os recomiendo que les dieseis una oportunidad al trío de Hoboken, ya que como ellos hay muy muy pocos actualmente. Y si no sabéis por dónde empezar, mi recomendación es que empecéis por el álbum analizado en esta entrada, y que lo escuchéis en su totalidad. Porque cada canción es un mundo, un viaje y una obra de arte. Bien seguro que este grupo volverá a tener otra entrada en este blog, y más si continúan siendo fieles a ellos mismos, hecho por el cual no tenemos que temer en absoluto.

Tras una larga ausencia, y aprovechando el fin de las vacaciones de verano, he decidido volver a arrancar el blog para que éste pueda seguir con su finalidad: dar a conocer todas aquellas obras o artistas que sean dignos de ser conocidos. Y en caso de que los artistas ya sean ampliamente conocidos y reconocidos, entonces sencillamente este blog tratará de hacerles un humilde y sencillo homenaje explicando los trabajos de tales artistas e intentando dar una mayor difusión a sus obras.

Aprovechando una exposición del “Caixa Fòrum” de Barcelona, abierta del 16 de julio hasta el 9 de enero del 2011, he decidido realizar una entrada a este artista mallorquín tan singular y magistral llamado Miquel Barceló.

Miquel Barceló nació un 8 de enero del año 1957 en Felanitx, pequeño municipio del Sureste isla de Mallorca. El paisaje abrupto y accidentado de su localidad tendrá una gran influencia en los trabajos del artista, prueba de ello serán los pliegues que conforman muchos de sus cuadros. Desde que tenía uso de razón, Barceló ya estuvo inmerso en el mundo de la pintura: su madre le gustaba pintar (si bien no se dedicaba al mundo de la pintura), especialmente elementos paisajísticos; mientras que a su abuelo, un gran apasionado de la pintura posimpresionista, había acumulado una ostentosa pinacoteca privada.

En 1972 ingresa en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca , y en 1974, se instala en Barcelona y empieza a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, aunque poco después abandonará sus estudios y volverá a Mallorca. Ese mismo año, Barceló realiza un viaje a París, a ver una exposición titulada Jean Paulhan a travers ses peintres. Allí realizaría uno de los descubrimientos más importantes de su vida artística: el “art brut” (en castellano, “arte sucio”), estilo que marcará profundamente toda la obra del artista.

En los años siguientes, Barceló participará en varias exposiciones, y formará parte de grupos como el “Taller lunàtic” (un grupo de arte conceptual) y otros grupos políticos de índole reivindicativa. En el campo artístico, el mallorquín realizará un extenso estudio sobre pintores surrealistas y empezará a experimentar con la materia orgánica y la descomposición, haciendo obras como por ejemplo Mapa de carn, un mapamundi hecho de trozos de carne, bistecs, costillas, etc. los cuales se iban pudriendo día tras día.  En sus constantes viajes a Barcelona, donde realizará múltiples exposiciones y donde establecerá una relación de amistad con Xavier Mariscal, quién influirá mucho sobre el estilo de sus obras iniciales, muy orientadas hacia la naturaleza salvaje (tenía ya un gran interés hacia los grandes felinos) y hacia la naturaleza cambiante (la descomposición y la putrefacción de la naturaleza).

Sin embargo, el éxito empieza a abrazar a Barceló en el año 1981, tras participar en la XVI Bienal Internacional de Sao Paulo, donde se da a conocer en el mundo internacional. A partir de entonces empieza a realizar exposiciones por todo el mundo, y empieza a recoger los primeros premios por sus trabajos (tan eclécticos y excéntricos como originales), como el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1986). Sin embargo, el mayor punto de inflexión su carrera se producirá en 1988, cuando realiza su primer viaje a la África occidental. En compañía de Mariscal y de Pilar Tomás, Barceló atravesó el desierto del Sahara y visitó Malí (un país clave en su vida, donde realizará muchos viajes más y donde sigue teniendo una de sus residencias habituales), Senegal y Burkina Faso. Este viaje condicionará irremediablemente su estilo y su forma de trabajar con la pintura por el resto de su vida. Prueba de ello, es que fue durante ese período cuando Barceló empezó a trabajar sobre papel utilizando pigmentos locales y sedimentos fluviales, una de las características más singulares de las obras del artista. Esta forma de elaborar sus obras, este método tan tribal de pintar, lo diferencian claramente del resto de artistas contemporáneos. Cabe señalar que el propio artista mencionó, antes de partir de viaje, que necesitaba realizarse una “desintoxiación de Occidente”, necesitaba encontrar nuevas formas de creación, nuevos horizontes artísticos que explorar y que descubrir. De hecho, yo me atrevería a afirmar que de no haber hecho el viaje a África, el Barceló del gran reconocimiento internacional, el artista que hoy conocemos no habría nacido. El viaje a África, para mi, fue el renacer del pintor. Es en Malí, donde el pintor llega al punto álgido de su carrera artística; el artista puede pintar todo aquello que ve delante de sus ojos, es una fuente o una mina de imágenes (muy diferentes de aquello que vemos en Occidente). Pero a su vez, el artista se baña en esa cultura tan tribal, tan terrenal, en virtud de la cual podrá dar un gran salto en lo que respecta a su técnica, a su manera y forma de pintar (en términos de calidad y de originalidad). Así, en África, el artista llega a combinar su tradición paisajística que le venía por parte de madre, con la originalidad e innovación técnica que le proporciona la tierra africana. De esta forma, para un servidor, el artista llega a uno de sus puntos de plenitud artística, y empieza a dar lo mejor de sí.

La producción artística de Miquel Barceló ha sido muy variada. Si sus primeras obras estaban muy influenciadas por Xavier Mariscal, vemos que algunas de sus posteriores obras pueden ser catalogadas dentro del arte conceptual, otras dentro del “arte sucio” y otras son sencillamente inclasificables. Todas ellas, sin embargo, siempre cuentan con la huella tan única y particular del artista de Felanitx. El artista siempre se ha considerado como un mediterráneo, por ello, en muchas de sus obras aparecen el mar y elementos muy simbólicos de nuestra cultura mediterránea (como la “paella”, cuadro que aparece debajo de este texto). Al mismo tiempo, la gran mayoría de sus cuadros siempre tienen un toque muy “terrenal”, elemento que aparece de forma constante en su larga y prolífica obra artística.

Si tenemos que describir el trabajo de Miquel Barceló, la primera palabra que me viene a la cabeza es “originalidad”. Originalidad en todas y cada una de las facetas del artista, que van desde los materiales empleados en la elaboración de sus cuadros, hasta el propio método de creación de estos últimos. Barceló, a diferencia de la mayoría de pintores, pintaba sus lienzos directamente sobre el suelo, hecho que le permitía realizar esos pliegues tan característicos de sus obras (como ya hemos visto anteriormente). De hecho, Barceló llegó a afirmar que “las cosas auténticamente planas pertenecen al campo de la realidad virtual y de la cibernética. Ninguna pintura puede pretender planitud ”. Sus cuadros se caracterizan también por la constante presencia de bultos, de protuberancias pictóricas, conseguidas mediante la acumulación de capas de pintura o incrustando en el lienzo otras sustancias o materias terrenales (como los sedimentos fluviales que hemos mencionado anteriormente).

A modo de conclusión, decir que Barceló es un artista tan peculiar (incluso contradictorio a veces) que incluso podríamos afirmar que se trata de un pintor que a pesar de que bebe de la tradición pictórica moderna, al mismo tiempo, intenta romper y distanciarse de esa tradición, especialmente gracias sus innovadoras técnicas. Sus cuadros se caracterizan por sus relieves, por sus protuberancias pictóricas y por su gran contenido matérico. Siempre son cuadros con mucha textura, y el artista siente una gran aversión hacia lo plano. Sin embargo, como hemos visto, Barceló es un artista de constantes inquietudes artísticas, y es imposible ponerle una única etiqueta (es difícil incluso catalogarle en algún sitio). La temática de su amplia obra artística es muy camaleónica: cuadros paisajísticos sobre su tierra natal; la descomposición y el devenir de la vida; la huída del exceso, materializada en sus cuadros sobre el desierto del Sahara; retratos poco convencionales de personas admiradas por el propio artista; el mundo de los orígenes (así lo llamo yo), que son todos aquellos cuadros de temática tribal, fruto de sus viajes en Malí; la naturaleza salvaje y su brutalidad; o incluso la temática metafórica. Esta última temática queda perfectamente reflejada en este último cuadro que os cuelgo, llamado “La solitude organisative” (el cuadro que da nombre a la exposición), en el que se muestra un gorila sentado en una posición de pensador (algo designado únicamente a los humanos al parecer) y que se encuentra inmerso en un mundo de ideas abstractas, amorfas, en el mundo metafísico de la reflexión. Sin duda, es un cuadro que alberga múltiples interpretaciones.

Por último, os invito a que deis una oportunidad a este impresionante artista, que causa amor y odio por igual, pero que bien seguro que no os dejará indiferentes. De paso, os cuelgo el video de un espectáculo suyo titulado “Paso doble”, en el que el autor nos muestra otra de sus facetas creativas.

Espero mantener actualizado esto más a menudo.

Saludos

Antes de empezar, es necesario realizar un par de matices. En primer lugar, se trata de una lista con lo que serían mis 10 series de anime preferidas, eso implica dos cosas: no tiene porque ser las que yo considero como las 10 mejores series de la historia del anime; y al tratarse de series de anime, toda película queda descartada y no aparecerá en esta lista. En segundo lugar, si ya me ha costado siglos decantarme y seleccionar sólo 10 series de anime, es completamente imposible para mi jerarquizarlas. En consecuencia, exceptuando quizás las tres primeras del ranking, las demás series estarán listadas sin orden jerárquico alguno; los números sólo serán la referencia, eso significa que la número 10 no tiene porque ser la que menos me guste y viceversa.

Un último apunte: no esperéis un tratado de literatura, porque soy incapaz de escribir bien teniendo como tema mi top 10 de anime. Encima con algunas series me emociono sólo con recordarlas, y cuando me emociono escribo igual de bien que un macaco colocado de anfetaminas. Dad gracias que he podido completarlo, así que por favor, por una vez, os ruego que me disculpéis por mi poca calidad literaria, el sentimiento y la emoción de estas series me impide sacar lo mejor de mi (por muy contradictorio que suene). Dicho esto, humildemente, os muestro lo que sería mi top 10 de series de anime.

10.- Kaiba

Empezamos con droga pura. Una serie muy poco convencional, atípica, y difícil de digerir. Es una de esas series que no conocen término medio: o las adoras, o las detestas. Yo la adoro, y para mí fue la mejor serie del 2008 de largo, y una de las mejores de los últimos 5 años (los cuales han sido, en general y según mi punto de vista, simplemente nauseabundos, que ponen evidencia la decadencia creativa en que se encuentra actualmente el panorama del manga/anime). Seguramente esto último ha ayudado mucho en que ahora esté en mi top 10.

En un futuro lejano, el mundo se ha desarrollado de tal forma que los recuerdos pueden ser almacenados y transportados hacia otros cuerpos, gracias una especie de dispositivo que se encuentra incrustado en la cabeza de toda persona. Pero como la historia siempre se repite, sólo aquellas personalidades pertenecientes a las clases sociales más altas, y por lo tanto con mayor poder adquisitivo, pueden permitirse vivir esta vida inmortal, consistente en cambiar de cuerpo cada cierto período de tiempo pero manteniendo los recuerdos de su vida anterior. Por si no fuera eso, la tecnología ha avanzado tanto que ahora, no sólo es posible cambiar de cuerpo manteniendo los recuerdos pasados, sino que también es factible borrar todos los malos recuerdos y mantener solamente los buenos. En este contexto, la historia arranca con el despertar de nuestro protagonista, que se encuentra completamente arrojado en un mundo que ya no recuerda. Al parecer, sus recuerdos fueron borrados, pero todavía conserva una especie de medallón con una fotografía de una chica desconocida por él. Por si su situación no fuera suficientemente desconcertante, se da cuenta de que en su tronco hay un tatuaje misterioso y un agujero donde tendría que estar su corazón. Pero poco tiempo tendrá para reflexionar quién es y qué le ha pasado, ya que rápidamente pasará a ser perseguido por una entidad que tampoco recuerda.

Como podéis ver, el argumento es totalmente atípico. Pero el argumento no es lo único que la convierte en un producto totalmente anti-convencional. Lo primero que salta a la vista al visualizar esta serie es su tan peculiar y particular dibujo. Se trata de un dibujo muy retro, muy vanguardista e incluso podríamos tildarlo de “popero”. A primera vista, uno no podría siquiera pensar de que se trata de una serie japonesa, porque se desvincula de todos los rasgos típicos del dibujo japonés convencional, como si lo repudiase y como si quisiera alejarse completamente del modo de hacer de la animación japonesa. A algunos incluso les recordará mucho al estilo de dibujo de los inicios de Disney, especialmente en lo que respecta al diseño de los personajes. Es como si quisiese parodiar el mismo estilo Disney (ya que la historia de “Kaiba”, poco tiene que ver con las narradas por Disney). Este diseño, tan vanguardista, tan rompedor y tan popero, es una de las principales razones por las que la gente no se atreve a aventurarse a ver esta serie. Mucha gente no le ha dado una oportunidad a esta serie porque el dibujo le producía náuseas, o como mínimo le incomodaba. Y precisamente, este dibujo tan infantiloide y tan incómodo para la vista, cumple perfectamente con su papel: ayudar a crear una atmósfera asfixiante y psicotrópica, en que no se sabe distinguir si el dibujo quiere transmitir humor o drama. Es un dibujo encarrilado, según mi parecer, a romper con todos los moldes imperantes en el panorama del anime japonés contemporáneo, y al mismo tiempo, a ayudar a construir esa atmósfera tan peculiar que estará presente durante toda la serie.

Como ya habéis podido deducir de mi pequeña sinopsis, la historia de “Kaiba” está cargada de mensajes y reflexiones de índole filosófica. Preguntas sin aparente respuesta y de gran carga moral son una constante de la serie. Preguntas del estilo “¿Qué es el ser humano? ¿Cuál es el elemento más determinante a la hora de la construcción de la persona? ¿Puede una persona seguir siendo la misma ante un hipotético cambio de cuerpo? ¿Son los recuerdos la verdadera “alma” humana? ¿Se pierde humanidad a medida que la ciencia progresa? etc.  Incluso después del fin de la serie, estas preguntas continuarán presentes en nuestras mentes durante mucho tiempo, incluso puede que durante muchos años (como le pasa a un servidor). Sin duda, su historia es una de las mayores cualidades de la serie.

Pero lamentablemente, no todo es perfecto, y esta serie no es ninguna excepción a esta regla. También tiene sus defectos. El más notorio quizás es la estereotipación de la gran mayoría de sus personajes. Evidentemente, nuestro protagonista, el misterioso Popo y alguno podrían ser considerados como la excepción, pero la mayoría de los restantes son bastante “clichés”, por así decirlo. A esto, se le suma la confusión de los cambios de cuerpo, que a veces pasa a ser un poco desconcertante y dificulta significativamente la identificación de los personajes. Puede que sea intencional, pero a veces resulta algo agotador.

Así pues, estamos ante un anime con una ambientación y una animación que no dejan indiferente a nadie y que buscan presentarse como una alternativa a las obras de anime más comerciales y convencionales. Además, la música no es solamente muy concordante con la dinámica de la serie, sino que encima tiene una calidad muy por encima de la mayoría de las OST de los animes actuales. Para poneros una muestra, os pongo aquí el opening de la serie, muy bonito:

Así pues, es una serie que recomendaría a aquellas personas que lleven tiempo buscando algo diferente, algo rompedor y al mismo tiempo, algo de calidad. “Kaiba” es una grandísima serie, con sus defectillos, por supuesto, pero tal y como ya he dicho, es de los mejores animes, sino lo mejor, de los últimos 5 años. Os costará digerirla, pero si amáis al anime, también creo que tenéis que darle una oportunidad, olvidar todo lo que habéis visto hasta ahora, y zambulliros directamente en ese mundo tan psicotrópico y tan único de “Kaiba”.

9. – Legend of the Galactic Heroes

Este anime lo descubrí gracias a ErGuiri, y la verdad, le estoy muy agradecido por haberlo dado a conocer. Una joya de los 90 (que de hecho, empezó a ser emitida en diciembre de 1988, pero que no terminó hasta el octubre de 1997), que se puede resumir en una simple palabra: epicidad. Es un anime de épica verdadera, que es diferente a la épica psicotrópica (llamada también como épica “hot-blood”) utilizada por muchas series actuales (véase Tengen Toppa Gurren Lagan, serie que me gusta, pero que la encuentro muy muy sobrevalorada).

Aviso: todavía no lo he terminado de ver. Normalmente no me atrevo a opinar sobre animes que no he terminado, pero con ésta haré una excepción, porque se lo merece.

La historia se sitúa en un futuro muy lejano. Se trata de una opera espacial, en la que existen dos grandes potencias: por un lado, el “Imperio Galáctico”, imperio con una forma de gobierno de índole monárquica y de tintes claramente germánicos  (recuerda a algunos imperios de la época moderna como el Reino de Prusia); y por otro lado, la llamada “Alianza de los Planetas Libres”, conjunto de planetas con una forma de gobierno liberal-demócrata. Estas dos potencias están en guerra desde hace un par de siglos, pero sus amenazas no se encuentran sólo en el exterior, sino también en el seno de las dos potencias. En la Alianza, se han olvidado los valores propios de toda democracia, los políticos están en la política solamente por intereses personales y la corrupción ya hace tiempo que se ha instaurado entre la clase política; mientras que en el Imperio, la dinastía Goldenbaum ya le pesan los años, la brecha entre las clases bajas y la clase social aristocrática no hace más que ancharse, y los aristócratas han olvidado su función y se dedican a disfrutar de una vida llena de lujos mientras parte del pueblo continua en la miseria. Dos modelos políticos enfrentados, que se encuentran en sus respectivas crisis. La historia se articulará alrededor de dos protagonistas, nacidos en las dos potencias enfrentadas: por un lado, en el Imperio, el protagonista será Reinhard von Lohengramm, un joven genio de orígenes humildes pero de familia noble y cuya hermana  fue vendida al Káiser como concubina, pretende escalar hacia lo más alto de la Marina del Imperio para ostentar el poder absoluto, y así poder acabar con la dinastía Goldenbaum y con toda la mugre que el sistema ha engendrado; y el otro protagonista, nacido en la Alianza, será Yang Wenli, un genio que iba para historiador pero que para poderse pagar los estudios decidió entrar en la Armada de la Alianza, y que debido a sus grandes cualidades como estratega, va escalando en la jerarquía militar muy a su pesar. El encuentro entre estos dos genios de la estrategia, marcará profunda e irremediablemente la historia de la mismísima humanidad. El punto de partida de la serie es este, y que conste que lo he simplificado mucho.

Precisamente la historia es la gran cualidad de este anime. La trama es compleja, pero en ningún momento resulta confusa, y lo que es mejor: está realmente bien trabajada. Es un anime inteligente, no porque haya unos grandes giros argumentales (que también los hay, os lo aseguro), sino por la forma en que este anime es conducido y la forma en la que tratan los complejos asuntos políticos en cada una de las potencias. Es muy histórica, en el sentido de que utiliza muchas de las lecciones que las historia nos ha mostrado y las aplica a la trama de la serie, y de forma magistral. La Alianza realmente funciona como un auténtico estado liberal-democrático, y el Imperio lo hace como una auténtica monarquía absoluta. Además, especial mención a la manera en que han desarrollado los intentos de golpe de estado y las tramas políticas internas de ambas potencias. Muy bien trabajadas. Aunque no todo son cualidades. No sé si por mi condición de politólogo o de inconformista, detecto que hay algunos detalles sobre el funcionamiento de los estados que, bien se omiten sin querer o bien se ignoran con plena conciencia de ello, pero que al final, no acaban teniendo ningún papel cuando en realidad tienen un peso fundamental en el día a día de la política estatal. Hablo, por poner un solo ejemplo, del papel de los “medios de comunicación de masas”, que apenas es tratado durante la serie. Pero estos errores se le pueden perdonar, porque por el resto, es un anime muy inteligente y muy elaborado.

Decir también que es un anime que no gustará a muchos, ya que es un anime dónde las conversaciones largas y profundas sobre temas políticos, filosóficos y morales, son una constante. Para otros (como yo), es uno de los elementos que hacen grande a esta serie. Las reflexiones son muy interesantes, y al contrario de lo que yo pensaba inicialmente, a veces no dudan conducir las conversaciones ignorando el asqueroso “políticamente correcto”. Los claros guiños a la democracia, perpetrados en su mayoría por Yang Wenli (la encarnación del espíritu democrático por excelencia, es irónico uno de los grandes exponentes de la democracia en la serie no sean los políticos de la Alianza sino uno de los altos cargos militares de la misma), son una constante, pero no dudan a la hora de diseccionar con toda crudeza las carencias fatales que tienen los sistemas liberal-democráticos. Las conversaciones mantenidas entre Yang Wenli y Reinhard von Lohengramm y sus respectivos socios sobre el sistema político en el que viven y cómo lo querrían mejorar. Los personajes están muy bien definidos, y muchos de ellos experimentarán una evolución notable. Hay de todos los tipos y todos muy interesantes, pero por mencionar sólo algunos, remarcar el nombre de Oskar von Reuental, uno de los almirantes del Imperio y un personaje que no dejará indiferente a nadie, tanto por su pasado como por su forma de pensar; y Paul von Oberstein, la encarnación del mismísimo Maquiavelo y futuro consejero de Lohengramm.

La animación, como podréis comprender, es uno de los puntos flacos de la serie. Evidentemente, una serie de finales de los 80, no podía tener una animación de la calidad de las series del nuevo siglo, pero a mucha gente le producirá cierta aversión esta animación tan arcaica. Por mi parte, me encanta. Utiliza un dibujo muy europeizado (que también se agradece de vez en cuando), y la animación, a pesar de ser rústica, transmite perfectamente el fervor de las batallas, lo cual no hace más que incrementar el grado de epicidad de la serie. Y hay un detalle, que a mi me encanta: no hay ni un puñetero rastro de “mechas”. Odio los “mechas”, me pone nervioso la filia que tienen los japoneses con los robots i la manía que tienen en meter “mechas” en todas las series de ciencia ficción. Evidentemente, LOGH es de otro nivel y no aparecen ni aparecerá nunca ningún “mecha”. Respecto a la música, para mí es genial, pero más que nada porque la mayor parte de su OST está compuesta de música clásica, especialmente la música perteneciente a Haendel y Beethoven. Eso sí, los openings son infumables (excepto el tercero, el único que se salva), y los endings más de lo mismo.

Podría seguir hablando de la serie, pero lo dejaré aquí. Si buscáis un anime realmente épico, con una trama muy inteligente, con personajes inolvidables, mucha música clásica, con muchas reflexiones y conversaciones de índole filosófica y moral, y no os importa que tenga una animación arcaica, “Legend of the Galactic Heroes” es vuestro anime.

Soy de los que piensa que uno no puede considerarse un auténtico fan del anime sin haber visto los 110 episodios de esta magistral serie (y sí, no la he visto entera, pero voy por un poco más de la mitad y sé de lo que hablo).

8. – Haibane Renmei

Otro de esos animes que, de nuevo, o los adoras o los detestas. Un anime único e irrepetible, tan bueno como particular, que es imposible recomendarlo a todo el mundo precisamente por sus cualidades. Aprovecho para agradecerle a Reboot por darla a conocer en su día y por descubrírmela, siempre le estaré agradecido por ello.

“Haibane Renmei” nace de la mente de Yoshitoshi ABe, artista gráfico responsable del diseño de personajes de series como “Serial Experiments Lain” y “Texhnolyze”. De hecho, el anime de “Haibane Renmei”  no es más que la adaptación de unos “doujinshi” escritos e ilustrados por el mismo ABe. Antes de continuar, tengo que avisar que para mí, es realmente difícil hacer un retrato de la grandeza de esta serie. Es una obra muy personal, intimista, mágica y de una gran belleza, pero es realmente complicado poder explicar el porqué de esa magia. Si la veis, lo comprenderéis.

En modo de resumen, la serie empieza cuando una chica, tras experimentar un sueño muy particular, se despierta en una casa rodeada de un grupo de chicas aladas muy especiales, que se les conoce con el nombre de Haibane. Pronto se dará cuenta de su nueva situación: acaba de nacer, en un pueblo llamado Guri que se encuentra rodeado por unas murallas que nadie debe traspasar, y en el que las Haibane son sus guardianas. Al cabo de unas pocas horas de nacer, a nuestra protagonista le es atorgado el nombre de Rakka (el nombre siempre está relacionado con el sueño que tienen las Haibane antes de nacer), y experimentará un doloroso proceso biológico, en virtud del cual le saldrán esas alas tan características de las Haibane. Este es el punto de partida de la serie, y muchas son las preguntas que nos surgirán desde el primer capítulo de la serie: ¿Qué son las Haibane? ¿Qué tienen que proteger? ¿Qué hay más allá de las murallas? ¿El muro sirve para retener a su gente o para protegerla? ¿Porqué son las Haibane las guardianas y no los mismos humanos? Etc.

De entrada, advertiros de que muchas de estas preguntas no tienen respuesta, y en ningún momento serán aclaradas. Y sinceramente, ni falta que hace. No son más que parte del encanto de esta misteriosa serie y su misterioso mundo. A lo largo de la misma, iremos viendo cómo viven las Haibane, y especialmente, la evolución de Rakka como Haibane y como persona, así como la evolución de otros personajes de la serie. Especial mención al personaje de Rekki, una Haibane que ejerce de “madraza”  y de guía para muchas Haibane, pero especialmente para la novata de Rakka. Rekki es uno de esos personajes con las que uno se identifica fácilmente, y a todos aquellos que les ha gustado la serie, Rekki es el personaje que más les ha marcado, con diferencia. Muchas serán las emociones que viviremos junto al grupo de las Haibane; seremos testigos de sus alegrías, de sus tristezas, de sus dudas existenciales, y presenciaremos algunas escenas francamente preciosas e igualmente tristes, como la vida misma. Eso sí, olvidaros de la acción y de los giros argumentales. Si eso es lo único que os gusta, no miréis esta serie, no va con vosotros.

Como muchos ya habréis deducido, la ambientación es uno de los mayores puntos fuertes de la serie, junto con sus personajes. Pocas series existen con una ambientación tan bien lograda como la de “Haibane Renmei”; y pocas series veréis con la calidez, la paz, la dulzura y el amor por las pequeñas cosas que desprende esta serie (seguramente la única junto al anime de “Mushishi” y al manga de “Yokohama Kaidashi Kikou”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre estas tres obras). La música es francamente buena, relajante y principalmente instrumental, y tienen un papel muy significativo en la construcción de esa maravillosa atmósfera de la que hace gala “Haibane Renmei”.

Es una serie bastante corta (13 episodios solamente), pero os aseguro que, si os gustan este tipo de series, no os sabrá a poco. Cumple con su cometido, y lo hace de forma magistral. Una serie muy poética y cálida, pero que debido a sus grandes cualidades y a su intimismo, resulta muy difícil recomendarla a todo el mundo.

7.- Texhnolyze

Una de esas series que no son demasiado conocidas, y que una parte considerable de esas pocas personas que la han visto, no les ha gustado. Y es que Texhnolyze no gusta a todo el mundo, ni puede hacerlo, se trata de un anime muy particular.

Texhnolyze se puede definir con una sola palabra: distopía. Es uno de los grandes exponentes del género distópico del mundo del anime, y uno de los animes más oscuros que he visto. La historia se sitúa en un futuro lejano, en una ciudad decadente, sombría, incluso lúgubre, llamada Lucks, la autoridad de la cual recae en un grupo autoritario llamado Organ, cuyas acciones siempre van encaminadas a favorecer a la clase social dominante. Allí vive un joven boxeador callejero, Ichise, uno de esos muchos lobos solitarios de esa siniestra ciudad, donde la única ley imperante es la violencia. Un día, al ganar una pelea en que se suponía que tendría que haber perdido, Ichise es brutalmente golpeado y mutilado. Justo cuando parecía que su vida gris llegaba a su fin, Ichise es sometido, contra su voluntad, a un proceso regenerativo, en virtud del cual se le implantan unos miembros orgánicos artificiales llamados “Texhnolyze”, un lujo que sólo la clase dominante de la ciudad puede permitirse. De forma irónica, Ichise había sido salvado por el sistema que tanto aborrecía. Nuestro protagonista, pierde las ganas de vivir y el rumbo de su vida, hasta encontrarse con una joven y misteriosa profetisa, llamada Ran. La muchacha intentará ayudar al lobo solitario en su búsqueda de dar un sentido a su vida en un mundo cadavérico, incluso a pesar de que la joven ya conoce el terrible destino que le depara a la ciudad de Lucks.

Este es el punto de partida de la trama de la serie, una trama tremendamente compleja, y que en ocasiones puede devenir incluso confusa. El primer capítulo, por ejemplo, es terriblemente confuso, sin apenas diálogos, el espectador se ve arrojado a un mundo tétrico, lúgubre, violento, sin apenas comprender el porqué de todo aquello. Exactamente igual que nuestro protagonista. Pero con la llegada de Ran y el transcurso de la historia, poco a poco seremos conscientes de la terrible realidad del mundo de Ichise. El argumento no lo desvelaré, pero a pesar de que iremos comprendiendo la realidad de la ciudad y de sus personajes, la trama es muy compleja durante toda la serie. Lo he dicho al inicio, Texhnolyze no es una simple distopía, es la distopía por excelencia. Un argumento oscuro y desesperanzador, no apto para personas sensibles. Los personajes son muy interesantes. Si bien podría haberse realizado un mejor trabajo en cuanto a su evolución, es imposible no sentirse identificado con alguno de ellos. Algunos de ellos, como Yoshii, a pesar de su rol secundario, dejarán una huella en los espectadores y en algunos personajes que difícilmente podrán olvidar durante el resto de la serie. Olvidad los personajes alegres y extrovertidos, esto es Texhnolyze, aquí todo es sombrío, lúgubre y desesperanzador.

Así pues, su mayor baza es la ambientación. Y todos los componentes de este anime hacen de esta serie una de las más oscuras que existan en el panorama del anime de los últimos años. Y es oscura en el sentido más profunda de la palabra: es una serie oscura porque como las mismísimas tinieblas, no hay rayo de luz alguno, no ese humor analgésico que emanan algunas series con pretensiones distópicas, y no hay un personaje que sea capaz de acabar con ese averno. La violencia manda en esa ciudad durante toda su existencia, y no sólo la violencia física, sino todas las demás hermanas de la violencia (desde la violencia sexual hasta la clásica violencia psicológica misma). Ese ambiente tan tétrico, tan depresivo, y tan putrefacto perdura durante toda la serie. Incluso la música es apagada y depresiva, y cumple perfectamente su cometido. Ahora bien, en este punto, cabe mencionar que hay una canción muy bonita, una de aquellas que en su momento te arrancan el corazón. La pondré, pero no diré cuando suena, para ello, tenéis que ver la serie.

Y por último, decir que, como todas las distopías, se trata de una alerta al presente, de cómo puede evolucionar nuestro mundo si no solucionamos de raíz los múltiplos problemas y conflictos que germinan en nuestros tiempos.

No es una serie que pueda recomendar a todo el mundo, pero los amantes de las distopías sí que tienen que verla, porque os marcará. Y repito, no es una serie apta para corazones sensibles.

6.- Cowboy Bebop

Evidentemente, supongo que la presencia de esta serie en mi top 10 no es ninguna sorpresa. Sin duda, una de las series más exitosas de los 90, una de las mejores épocas del anime (en mi humilde opinión, y que por si no se nota, adoro ese período).

A grandes rasgos, la historia se ubica en el futuro (alrededor del año 2071, aproximadamente), y gira en torno a un equipo de cazarrecompensas y sus aventuras. Sin embargo, a medida que avance la historia, nuestros protagonistas experimentarán en sus propias carnes el peso de sus respectivos pasados, condicionando completamente su presente y su futuro. No es necesario explicar demasiado sobre esta serie, ya que es de las series más conocidas por los fans del anime, e incluso por los alienos del anime mismo (conozco a muchos que no saben nada de anime, pero que en cambio, sí que saben qué es Cowboy Bebop).

Puntos fuertes: muchos. Los personajes, sin duda, es uno de sus mayores atractivos. A pesar de no ostentar una complejidad o una evolución tan magnífica como otras series del género, Cowboy Bebop está formado por una gran cantidad de personajes, muy diversos, muy abundantes y sobre todo, muy carismáticos. Y su pareja protagonista, Spike Spiegel (genial, sencillamente genial) y Jet Black, es uno de los mejores dúos que servidor ha visto en una serie de anime. Imposible no sentir aprecio por esa pareja. Y por si no fuera poco,  la serie cuenta con uno de los antagonistas más escalofriantes e inquietantes del mundo del anime: Vicious. Uno de aquellos personajes que te dejan la sangre helada sólo con su presencia, pero que por si no fuera suficiente, cada vez que hablaba parecía que lo hiciese el mismísimo diablo. No es el mejor antagonista de la historia del anime, pero si uno de los mejores, sin duda. La ambientación es excelente, futurista pero con muchos toques cosmopolitas, incluso jazzísticos. Y las secuencias de acción son soberbias, y a pesar de su abundancia, nunca llegan a ser cansinas.

Pero sin lugar a dudas, el mayor punto fuerte de la serie con diferencia, es su increíble Banda Sonora. Puedo afirmar sin miedo a equivocarme que la OST de Cowboy Bebop es la mejor banda sonora de la historia del anime. Y por supuesto, es mi favorita. La creadora de esta magnífica obra musical es, de nuevo, la genial Yoko Kanno. La OST tiene una gran cantidad de temas de jazz, especialmente de la corriente musical llamada Bebop. Pero no es una simple banda sonora de jazz, es una grandísimo ejemplo de cosmopolitismo musical, incorporando temas que van desde el blues, el pop, la música clásica, e incluso el hard rock. Especial mención de los temas “Blue” (precioso, de los mejores de la OST), “Green Bird”, la versión del “Ave María” de la autora, o el mismo opening, “Tank!”.

Una de esas series que hay que ver. Y no hay excusas que valgan, hay que verla y ya está.

5.- Mushishi

Todo lo que pude decir de ella ya lo dije en su momento en este mismo blog, en una entrada que le dediqué especialmente a esta serie. Una magnífica obra de arte, pura lírica, pura poesía audiovisual. Cada vez que la miro de nuevo, más me gusta. De lo mejor de la última década.

4.- Earth Girl Arjuna

Esta es una de aquellas joyas que injustamente, sea por los motivos que sean, no gozan del prestigio que deberían. Cuando la vi hace unos 4 años (puede que algo más incluso) casi nadie la conocía, y desgraciadamente, esta serie aún continua siendo una auténtica desconocida para la mayoría de fans del manga/anime.

Tal y como se muestra en la página de Filmaffinity, el argumento sería el siguiente: “Todo comienza cuando Juna Ariyoshi, de 15 años, le pide a su amigo Tokio Oshima ver el mar, pero no el mar contaminado de la ciudad de Tokio, si no que desea ver el mar puro y cristalino al otro lado de la montaña. Es así como los dos emprenden un hermoso viaje en motocicleta hasta que una fuerza desconocida los hace volcar, provocando así la muerte de Juna. En medio de la sala de operaciones, ella despierta y puede ver su propio cuerpo flotando justo en el momento en que sus signos vitales cesan. Es entonces despedida a gran velocidad hacia el cielo, observando un hermoso amanecer y, además, viendo cómo criaturas con formas de gusano absorben y destruyen la tierra. Aparece entonces una criatura llamada Chris, la cual le ofrece una posibilidad: “Puedo salvar tu vida esta vez, pero sólo si aceptas defender la tierra del Raaja”. Ella acepta el trato dudando completamente si será capaz de enfrentar algo tan oscuro.”

Este es el punto de partida de la serie (y sí, no me he esforzado nada en contaros la trama, pero si alguien sintetiza mejor el argumento de la serie que yo, pues entonces es mejor para todos que os ponga lo que dice esa fuente, además de que la vi hace 4 años! Mi memoria es buena, pero no tanto). Como ya podéis suponer, la originalidad de la serie radica en el fuerte peso que tiene el ecologismo en la trama y contexto de esta serie. Esta serie es del 2001, y no sólo ha sido la única serie (hasta la fecha, que yo recuerde) que ha apostado por el tema del cambio climático y del ecologismo en general como piedra angular de su argumento, sino que encima lo hizo sin caer en los argumentos y tópicos sectarios que a veces nos tienen acostumbrados ciertos sectores del movimiento ecologista (una auténtica lástima, pero es así, el ecologismo aún se concibe como algo propio y exclusivo de los “progres”, cuando debería extenderse a todos los rincones del espectro político democrático). Es una serie ecologista que intenta precisamente universalizar el movimiento ecologista sin necesidad de politizarlo excesivamente. Además, el componente ecologista es mezclado con elementos propios de ciertas filosofías de tintes hinduístas, lo cual ayuda mucho más a dejar atrás el peligro de convertirse en “una serie verde, por y para los verdes”. Evidentemente, si uno no siente el más mínimo interés por el tema del ecologismo, que no intente ni verla, pero lo que intento decir es que no hace falta ser de Izquierda Unida para poder apreciar el valor de esta tan infravalorada serie.

De todas formas, “Earth Girl Arjuna” es más que una simple serie ecologista. Tiene un buen desarrollo, tanto a nivel argumental como en lo que se refiere a la evolución de los personajes a lo largo de la historia. Incluso se le perdona que la serie tenga un toque de “magical girl”, género que, salvo tres series que para mi son joyas (ni una, ni cinco, sólo tres, entre las que incluyo esta misma a pesar de que no sea propiamente del género), lo demás para mi es pura mugre. Pero como se dice, incluso en géneros tan aberrantes como el de los mechas o el de las magical girls, hay auténticas joyas (algunas escondidas y otras incomprendidas). En lo referente a los personajes, cabe destacar un nombre: Juna Ariyoshi, la protagonista. Sólo diré que es juntamente con Nausicaä (de la película de Ghibli), Sakura (de Sakura Cardcaptor, y sí, a veces soy algo ñoño, pero adoro este personaje y esa serie, por muchos defectos que tenga y por mucha magical girl que haya, porque yo no he visto en mi vida una serie de anime que trate de forma tan natural y dulce el tabú de la homosexualidad, o que haga una oda tan bonita a la adolescencia) y Urumi Kanzaki (de Great Teacher Onizuka), una de mis protagonistas femeninas preferidas. Es pura dulzura, pura valentía, y sobre todo, pura humanidad. Respecto al resto, decir que están a la altura, presentan evoluciones muy notables y que todos nos aportaran algo sobre lo que reflexionar. La animación es, para ser del 2001, magnífica, de aquellas que por si solas ya dotan de vida a la ambientación de la serie. Pero por si no fuera poco, la música es impresionante. ¿Sabéis quién está detrás de la BSO de Earth Girl Arjuna? Pues de nuevo, la gran Yoko Kanno. Y como de costumbre, no defrauda. Esa banda sonora (destacar los temas de “Aqua” o “Chikyuu Kyoumei”) combinada con la magnífica animación, dotan a la serie de una ambientación inmensa.

Aquí os dejo el trailer, para que os hagáis una idea:

Es una serie de calidad y de temática atípica, así que si no le dáis una oportunidad a esta serie, no podréis sentiros como si ya hubieséis visto todo lo mejor del mundo del anime.

3.- Neon Genesis Evangelion

Un clásico que no deja indiferente a nadie, y que a pesar de que ya han pasado 10 años desde que fue creado, todavía hoy da mucho que hablar. No se puede comprender la historia del anime sin pasar por esta serie. La obra magna del controvertido estudio Gainax, marcó un antes y un después en la historia del manga/anime.

Intentaré ser breve, porque sobre esta serie podría pasarme horas y horas hablando de ella, pero no es la finalidad de esta entrada. Esta serie no tiene punto intermedio: o la odias, o te encanta. Evidentemente, yo soy de estos últimos. La serie nos transportaba a un hipotético 2015, en el que la organización militar “Nerv” protegía la humanidad de los ataques constantes de unos misteriosos seres (apodados como “ángeles”) mediante el uso de unos robors biomecánicos denominados “EVA”. Odio a los mechas, de verdad, no me gustan nada, pero en esta serie se le perdona este detalle. Una de las características más remarcables de este anime (y una de las razones por las cuáles ha dejado tanta huella) es el tinte psicológico, e incluso psicótico (y en ocasiones, solipsista), que emana toda la serie. El diseño y evolución de los personajes es una de las señas de identidad de Neon Genesis Evangelion y uno de sus puntos fuertes, y en este aspecto también fue pionera. Pocas series llevan a cabo un desarrollo y una disección moral y filosófica de sus personajes tan magistral como ocurre en esta serie. Por poner un ejemplo, es impresionante la evolución de Asuka Langley, Misato Katsuragi, Rei Ayanami, o del propio protagonista de la serie, Shinji Ikari, uno de los personajes más controvertidos e interesantes de la historia del anime. No era nada usual que el protagonista de la serie fuera alguien tan lamentable, miedica, llorón, y sumamente anti-héroe como Shinji Ikari. Sin duda, fue un personaje que rompió moldes, no por sus cualidades, sino por sus miedos y defectos. Algo tremendamente original, y más en aquella época (recordemos, finales de los 90, época en que Occidente se empezaba a inundar masivamente de series de anime). Incluso sus antagonistas, que van desde el cruel Gendo Ikari (otro personaje que deja huella, inolvidable) hasta las “manos invisibles” que están detrás de gran parte de los eventos transcurridos durante la serie, todos ellos están perfectamente diseñados (especialmente en términos psicológicos y filosóficos), y de nuevo, indiferencia es lo único que no provocan.

Además, cabe destacar el factor filosófico que tanto adoro, y que en este caso era tremendamente original: la incorporación del cristianismo en la trama de una serie de anime. Este es el mayor punto fuerte de la serie junto al de los personajes: una trama muy bien llevada y con una gran carga filosófica, que evadía todo laicismo o toda filosofía oriental, y se bañaba directamente en la mayor de las religiones monoteístas de la tierra. A mi esto me encantó, tanto el punto de partida como el resultado, y que conste que soy ateo hasta la médula. Cabe destacar que el final decepcionó a muchos, y que fue una de las causas por las cuáles se ganó tanto odio entre muchos fans del anime. Este odio, es completamente comprensible, ya que no fue sólo el final, sino las múltiples artimañas que Gainax i Hideaki Anno llevaron a cabo con respecto a la serie (en este punto, si queréis saber más, mirad la review de Dath sobre la segunda película del rebuild of Evangelion). Para mi, el auténtico final se encuentra en la película “The end of Evangelion”. Podría criticar el final de la serie y el timo de la película “Death & Rebirth” (lo único bueno que tuvo fue la portada, y por eso la he puesto, porque es buenísima), pero nada de esto resta calidad al producto final, almenos para mi.

La ambientación fue espectacular, constantemente transportándonos con una facilidad asombrosa dentro de las mentes de los personajes tan humanamente imperfectos, tan humanamente despreciables en ocasiones, y tan humanamente admirables en otras.  Y la música impresionante, que abarca desde nuevas versiones de canciones conocidas (véase la versión del “Fly me to the moon” de Sinatra, utilizado en esta serie como ending, maravilloso) hasta un gran repertorio de temas de música clásica. El resultado: épico. Aún se me pone la piel de gallina cuando en ciertas escenas sonaban la sinfonía número 9 de Beethoven, o el Air on the G string de Bach. El opening también es archiconocido, y es una muestra exacta de qué es la serie: pura locura artística.

En ningún momento he mencionado el “Rebuild of Evangelion”, más que nada porque aún está en proceso y sólo he visto las dos primeras películas. La nueva versión promete, especialmente tras el visionado de su segunda cinta, pero prefiero ser precavido y no tener demasiadas esperanzas. Así la sorpresa será mayor, y la decepción menor en caso contrario. De todas formas, dudo que pueda suplantar la versión original de la serie. Sin duda, una de mis favoritas y de las que más me han marcado.

2.- Monster

Aquí, unas de las mejores series de anime y manga jamás creadas.

Es sobresaliente en todos los aspectos, y repito, en todos ellos , desde los personajes y su evolución (mención especial a Johan Liebhart, el mejor antagonista de la historia del manga/anime, sin exagerar), la música, la ambientación y por supuesto, la trama, que es de lo mejorcito que se ha hecho en la historia del manga/anime (y que está al nivel de muchos de los grandes thrillers del cine, seguro que si se hiciese una adaptación fiel a esta obra en la gran pantalla, arrasaría).

Además, la adaptación al anime de la serie es simplemente sublime, única e irrepetible. Ojalá todas las adaptaciones de los mangas fueran tan fieles a la obra original. Podría enrollarme, y mucho sobre esta serie, pero prefiero que os leáis la siguiente reseña que hizo Dath en su blog; allí averiguaréis porqué esta serie está en mi lista, porqué está tan bien valorada por la crítica, y sobre todo, podréis leer una de las mejores reseñas que servidor ha leído en su vida (además, él refleja exactamente mis pensamientos y opiniones de la serie, con el añadido de que mi prosa está a años luz de la suya). Si no la habéis visto, y os declaráis fans del manga/anime, entonces tenéis que verla, estáis obligados. Y si os gusta el arte de verdad, también.

1.- Ghost in the Shell: Stand Alone Complex (y 2^nd GIG)

No sé si será la mejor, pero ésta es, sin duda alguna, mi preferida. De hecho, todo el mundo de Ghost in the Shell me tiene enamorado.

Lo primero que vi de esta magnífica obra de Mamoru Oshii fue la primera película, y gracias a ella descubrí el mundo del “cyberpunk” (algo que siempre le agradeceré). Años más tarde, llegó a mis oídos que Ghost in the Shell tenía una serie de animación, y no sólo eso, sino que muchos se atrevían a afirmar que la serie superaba con creces a la película. Y empecé a ver la serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. Y descubrí la mejor obra de anime jamás hecha. Si con la primera temporada había disfrutado muchísimo (muy buena la saga del hombre sonriente, inolvidable), de la segunda (GITS: SAC 2^nd GIG) ya ni os cuento. Para mi, incluso mejor de lo que ya fue la primera, solventó algunos defectillos de la primera temporada (sobre todo defectos relacionados con el ritmo de la serie y el uso de los capítulos relleno), y mejoró de forma muy significativa todos los aspectos aparentemente inmejorables de la primera temporada. Estas mejoras se materializaron especialmente en el uso de una nueva trama que fue impregnada con un tinte más político e internacional que en la primera temporada, aparecieron personajes sencillamente geniales como Hideo Kuze y Kazundo Gouda.

Pero si algo caracteriza la serie de GITS: SAC, es que destaca en todos y cada uno de los aspectos que la componen. La historia, el trasfondo y la evolución de la misma son magistrales, muy en consonancia al “modus operandi” del mundo en que se desarrolla la serie. Los personajes rebosan carisma por todos lados (incluso los más secundarios de la sección 9 tienen muchísimo más carisma que muchos de los protagonistas de las series actuales), y hay algunos simplemente irrepetibles y únicos como la Mayor Motoko Kusanagi. La música estuvo en manos de Yoko Kanno, y eso es sinónimo de calidad (de hecho, la banda sonora de GITS: SAC es la segunda mejor BSO que he escuchado en una serie, por detrás de la de Cowboy Bebop, que es insuperable).

La ambientación también es magistral, ya que por algo es el máximo exponente del cyberpunk en el mundo de la animación (no del anime o del manga, sino del mundo de la animación entero) y por algo fue una de las series de anime más caras realizadas hasta la fecha (puede que incluso fuera la que más). Y por si no fuera poco, tiene algo que la hace muy única, y a la vez, muy especial: la carga filosófica. Durante la serie muchos son los temas filosóficos que son abordados: desde el problema filosófico y moral que supone la misma distopía futurista sobre la que tienen lugar todos los sucesos de la saga, hasta la cuestión metafísica de lo que en la serie se llama el “complejo de autosuficiencia”, que tiene una importancia vital durante toda la saga.

Como podeis ver, todo en esta serie es insuperable, y no estoy exagerando. Soy incapaz de prescindir de una de las dos temporadas, pero si aún así me obligáseis a elegir una, eligiría sin duda alguna la segunda temporada. Pero ambas temporadas son parte de un todo sublime: la mejor serie que se ha hecho en la historia del anime.

Y aún no ha aparecido la serie que la pueda destronar de esta posición. Y seguramente nunca aparecerá.

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Pues este es mi top 10, y creedme, me ha costado mucho decidirme por poner sólo 10 series. En los últimos años el panorama del mundo del manga/anime ha sido simplemente desolador, pero si uno busca, en el pasado puede encontrar muchas joyas que han pasado sin pena ni gloria, y que a pesar de tener una calidad muy por encima de la mayoría de animes, nunca tendrán un espacio en el hall de la fama de la historia del anime. Injusto, pero real. En este top 10 he incluido algunos de estos animes, para hacerles justicia.

De todas formas, son muchos los animes que me hubiera gustado mencionar pero que al final, he tenido que dejarlos fuera de la lista. Animes de la talla de “Serial Experiments Lain” (mítica, es un auténtico “must see” y o la odias o te encanta, y a mi me encanta), “Kino no Tabi” (ésta juro que le dedico una entrada, porque se lo merece, y estuvo un buen tiempo en mi top 10), “Planetes” (una serie muy infravalorada, pero que es una de las mejores obras de  ciencia ficción sobre el futuro de los seres humanos en el espacio exterior que existen, muy realista), “Hachimitsu to Clover”, “Escaflowne”, “Princess Tutu” (sí, el título suena horrible, y encima salen magical girls, pero os aseguro que es una joya, un cuento maravilloso), “Last Exile” (lo mejor que ha hecho el estudio Gonzo, y una grandísima serie, que durante mucho mucho tiempo estuvo en mi top 10, y que algún día la volveré a ver entera y le dedicaré una entrada), “Noein”, “Now and then, here and there” (una serie dura como la misma realidad,  una distopía, que trata temas tan crudos como los abusos infantiles en los países del tercer mundo) o incluso la surrealista “FLCL” de Gainax, por mencionar unas pocas. También decir que hay un par de series candidatas a formar parte de este top 10 en detrimento de algunas de las presentes, pero dado que o bien todavía no las he podido ver, o bien hace demasiado tiempo que las vi y por ende no puedo opinar con propiedad, pues también se han quedado fuera, como “Utena”, “Argento Soma”, “Ergo Proxy” o  “Natsume Yuujinchou”. Tarde o temprano, si realmente valen la pena y están a la altura, les dedicaré una entrada a alguna de estas series.

Pues eso es todo, espero que os pueda ser de utilidad, sólo recordar que este es mi top 10 actual, puede que en el futuro cambie. Aunque seguro que 7 de estas series ya no se moverán nunca de mi top 10, son únicas y me han marcado profundamente. Aunque si llegara el día en que tengo que rehacer el top 10 de nuevo, cambiándolo todo, pues sería un auténtico placer. Pero viendo el panorama actual, y la dirección que está tomando el mundo del anime, dudo mucho que esto pase. Suerte que siempre quedarán las series de los 90 y de principios del nuevo milenio para olvidar el panorama actual. Porque estas series son las que nos permiten, a los amantes de este mundillo, seguir considerando al manga/anime como arte.

Exceptuando algunas joyas del género que han salido en los últimos años, el panorama del anime es simplemente desolador. Cierto es que aún existen personajes o entes como el Studio Ghibli, Satoshi Kon,  o Mamoru Oshii, que aún dotan de personalidad a sus obras,  impregnándolas de aquellos valores en los que creen, y pasando a hacer no simple anime, sino “anime de autor”. Eso principalmente en el panorama del anime (aunque sí, casi todos los mencionados han estado en el mundo del manga). Centrándonos en el panorama del manga, el panorama no es tan desolador. En el mundo del manga, a pesar de que también ha experimentado una significativa prostitución de su género, el abanico de autores es mucho más amplio. No son unos pocos gigantes de la animación que mediante el instrumento diabólico de la televisión intentan llegar a cuantos más espectadores mejor, para que luego estos últimos engullan todo los centenares de productos de “merchandising” de la serie en cuestión (evidentemente, estoy simplificando mucho, porque la entrada no trata sobre este tema). En el cosmos del manga existen decenas de autores de escasa proyección en Occidente, algunos de los cuales ni siquiera son conocidos en el primer mundo, pero que aun así, todavía siguen impregnando y forjando sus obras en consonancia con sus valores y en aquello en lo que creen.  Hiroki Endo es uno de estos autores, que aunque goza de cierto prestigio en el país del Sol Naciente, en Occidente apenas es conocido. Una de las obras más conocidas de este autor es precisamente el tema sobre el cual se articulará esta entrada hoy: el manga “Eden: it’s an endless world”.

Poco puedo decir sobre el mangaka, porque poco es lo que nos llega sobre su vida aquí. Sólo se sabe que se graduó en la “Musashino Art University”, y que decidió empezar en el mundo del manga a los 24 años, tras dudar entre ser músico, piloto o actor. “Eden: it’s an endless world” ha sido lo primero y lo único que he leído de este autor, así que poco puedo opinar sobre sus otras escasas obras (sólo ha hecho “Eden”, “Tanpenshu” y otra que empezó el año pasado conocida como “All rounder Meguru”).  Lo único que sé sobre Endo es a partir de Eden, y algo está claro para mi: el mundo del manga/anime necesita más autores como Endo. Ya ireis sabiendo porqué más adelante.

“Eden: it’s an endless world” no es un manga atípico. La historia arranca con un escenario propio de las más típicas distopias: una misteriosa pandemia ha acabado con la vida del 15% de la población mundial, y un porcentaje significativo de ella aún está contagiado. El mundo está desolado, amenazas como el terrorismo transnacional y el cambio climático cada vez adquieren más relevancia, y los efectos del liberalismo sin freno ya son una realidad bien tangible. A la vez, una organización de índole gnóstica llamada “Propater” se ha hecho con el control político, económico y social de gran parte del planeta. Paralelamente, en una remota y diminuta isla llamada Eden, viven dos jóvenes inmunes al virus: Enoa Ballard y Hannah Mayer. Un día, Propater realiza un ataque a la isla en la que viven los dos jóvenes y su tutor (un investigador infectado por el virus), teniendo como desenlace la huída de Enoa y Hannah de su paraíso para adentrarse en las tinieblas del mundo exterior, del mundo real. 20 años más tarde, el joven Enoa es uno de los más poderoses Señores de la Droga de América del Sur.

Este es el prólogo del manga y así es como arranca la historia, la cual pasará a pivotar básicamente sobre el  protagonista principal del manga: Elijah Ballard, el segundo hijo de Enoa y Hannah. Muchos son los detalles que he omitido en mi introducción de la temática del manga, más que nada porque hay muchos detalles ya en el prólogo que podrían ser considerados como spoiler. A lo largo del manga veremos como Elijah va creciendo en ese duro mundo desolador y desesperanzador. Se tratarán temas complejos que encuentran sus raíces en nuestros tiempos, como el terrorismo transnacional, la problemática de las naciones sin estado, el mercado de la droga, el mundo de la prostitución, y especialmente temas de clara índole metafísica como: ¿Hacia dónde se dirige nuestro planeta? ¿Cuál tiene que ser el papel de la religión en la construcción de una civilización? ¿qué sentido tiene seguir evolucionando con la dinámica en que lo estamos haciendo? ¿Vale la pena seguir luchando por el progreso si la historia siempre acaba siendo la misma?

Esto es “Eden: it’s an endless world”, y sin duda, es uno de sus mayores puntos fuertes. El prólogo es uno de los más complejos y mejor desarrollados que servidor ha tenido el placer de leer en un manga. Nunca he visto un prólogo de semejante calidad. Y el arranque del manga sigue mejorando aún más ese espléndido prólogo. Las preguntas metafísicas serán una constante que durarán hasta el mismísimo final del manga, y lo que es más, muchas de ellas obtienen respuestas bastante interesantes (eso sí, no tenemos porque estar de acuerdo, al fin y al cabo, son las ideas del autor). Un factor muy destacable es el claro contenido y referencias religiosas del manga: el gnosticismo impregna casi toda la obra, desde ciertos acontecimientos hasta los mismos nombres de personajes y entidades del manga (véase Propatria, Pleroma, Aeon, Gnosia, etc.). Pero tranquilos, el manga no es una oda al gnosticismo, sólo es un instrumento más para que el autor pueda llevar a cabo el desarrollo de la trama y de dar solución a las múltiples preguntas existenciales que se formulan durante la trama (se las formulan los personajes y los lectores, os lo aseguro).

Los personajes es otro de los pilares en los que se sustenta esta obra. El desarrollo de la gran mayoría, así como su concepción, son francamente buenos. Este desarrollo excepcional se ve perfectamente en la evolución de Elijah Ballard, el protagonista principal de la historia, a lo largo de la historia. Veremos como va creciendo en ese diatópico mundo, y como poco a poco va siendo engullido por el modus operandi del mundo en que se ha criado. Otros personajes, como Enoa Ballard, padre de Elijah y el Señor de la Droga más poderoso de América del Sur, no experimenta una evolución tan marcada como Elijah, ya que Enoa lo veremos casi toda la historia en su estado de adulto. Ahora bien, el punto fuerte de personajes como Enoa no es precisamente lo que podría ser su evolución (para eso están Elijah y otros), sino su pensamiento, sus ideales, su concepción de la realidad. Y Enoa es uno de los más interesantes de todo el manga. Para evitar posibles spoilers, sólo citaré una frase que enmarca estupendamente la filosofía de Enoa Ballard, que bien seguro que no causará indiferencia entre los lectores:

Amor ilimitado para los míos, y crueldad infinita para todos los demás

Por si no queda claro, adoro a Enoa Ballard, lo cual no quiere decir que esté de acuerdo con su forma de pensar. Enoa, en mi opinión, es el perfecto apóstol del pensamiento de Hiroki Endo, o almenos, el que refleja mejor la intención que tenía Endo al construir esta obra. Enoa es un producto más de este mundo, y su filosofía (que muchos se atreverán a tildarla de deshumanizada o maquiavélica) alberga una gran cantidad de matices, es una auténtica fuente de reflexión. El respeto que siente por toda forma de vida, contrastado a la vez por la cita tan aparentemente cruel que he mostrado previamente, hacen de Enoa Ballard uno de los personajes más interesantes que servidor ha visto en mucho mucho tiempo. Dejando a Ballard a un lado, los demás personajes también están, en general, perfectamente concebidos, siendo, como todos los seres humanos, productos sociales de los males que dominan el planeta. Kenji Asai, Helena Montoya, el gran Maya (para mi, el más interesante después de Enoa, pero no voy a decir nada sobre él por no spoilear, pero es otro de los grandes del manga, vale la pena fijarse en él), Sophia Teodores, Loji, Miriam Arona, etc. Todos ellos están perfectamente definidos, desde su personalidad hasta sus actuaciones (muy en consonancia a la forma de pensar de cada uno de los personajes).

Dejando a un lado los personajes, pasemos a la ambientación. El autor hizo un gran trabajo en cuanto al diseño de los escenarios. Un gran nivel de detalle que refleja perfectamente la dejadez en la que se encuentra gran parte del planeta en “Eden: it’s an endless world”, ya sea debido al cambio climático o a los propios humanos. El gran diseño de escenarios y de personajes contribuye decisivamente en la recreación de la distopía que quiere mostrarnos Hiroki Endo. A pesar de que hay bastantes escenas de humor, la vertiente trágica siempre está ahí, y nunca desaparece, ni siquiera durante un solo capítulo a lo largo de todo el manga. Y es que la situación del mundo, la trama y las circunstancias en que crecieron y viven los personajes, no hace más que remarcar la parte trágica del manga.

Ahora bien, precisamente en la ambientación es donde empiezan los problemas de este manga, que por desgracia, se hacen notar cada vez más a medida que se desarrolla la historia. Esta trama y ambientación distópica toma lugar en un futuro no tan lejano (en un capítulo Endo hace una cronología de en qué año ocurre cada uno de los eventos principales de la historia, y creo recordar que la historia empieza más o menos alrededor del siglo XX), en el que  ya existen los androides, y no sólo eso, sino que muchos de los personajes que aparecen tienen un cuerpo “cyborg” (véase Sophia, por mencionar sólo a uno). La informática ha hecho un gran salto hacia delante,  y veremos que en ocasiones la informática y los sucesos biológicos pueden llegar a devenir simbióticos. Y esta simbiosis a menudo se convierte en uno de los grandes defectos del manga: su excesiva complejidad.

Digo que es un defecto no sólo porque dificulta en ocasiones comprender determinados sucesos o eventos. A medida que avanza la historia, ésta de vuelve más compleja, pero sobre todo, las circunstancias pasan a tener una complejidad que para mi es absolutamente bizarra. A uno, si no domina en gran parte ni la química, ni la informática, ni la física cuántica ni otros campos de la ciencia, le va a costar enterarse de sucesos importantes que ocurrirán a lo largo de la historia (les va a costar comprenderlos, y saber si Endo les está colando una falacia como una catedral , totalmente imposible incluso en un futuro lejano, o si realmente dice algo con cierto fundamento). A pesar de que Endo los intenta explicar de la forma más amena posible, la comprensión de tales eventos sigue siendo complicada y bizarra, y en ocasiones uno se preguntará si realmente era necesario que Endo utilizase el recurso de estos eventos (en los que biología e informática pasan a ser casi simbióticos) para desarrollar la trama. Y cuando uno se acerca cada vez más al final, más se hace esta pregunta, y a algunos (como servidor) les puede llegar a desesperar el recurso de determinados sucesos físicos y biológicos que Endo utiliza. Eran completamente innecesarios y de no haber aparecido tales eventos, el manga habría sido sencillamente magnífico. Pero no lo es, y el primero de los motivos es este: complejidad innecesaria y bizarra de determinados sucesos y eventos que combinan una gran cantidad de las distintas ramas de la ciencia.

Otro de los defectos importantes junto con el mencionado, es el uso y gestión de los personajes. Como he dicho, el diseño de los personajes es genial, pero el uso que hace Endo de sus creaciones es, en ocasiones, bastante nefasto. Ocurrirá varias veces que Endo nos presenta un personaje determinado, lo pincela ante el lector, lo desarrolla un poco, y luego se olvida de él. Y éste no vuelve a aparecer hasta unos cuantos volúmenes más tarde, sin que su vuelta sea precisamente necesaria. O al revés, a menudo dota de bastante peso argumental a ciertos personajes que no tendrían porqué tenerlo, porque su existencia en la trama es totalmente secundaria y porque su papel no cuadra con los eventos que ocurren en ese momento determinado. Y lo peor, a veces personajes que habían sido importantes e interesantes durante toda la historia, en un momento determinado los aparta de la historia sin venir a cuento. Una mejor gestión de las apariciones de los personajes habría ayudado mucho a convertir este manga en uno de los mejores de su género. Quizás si no habéis leído el manga no comprenderéis este punto que acabo de mencionar, pero si os leéis el manga entero, entonces lo comprenderéis perfectamente. Estos son los dos grandes defectos, y ciertamente le quitan muchos puntos al manga, pero aún podría mencionar otros tres defectos, aunque se encuentran muy por debajo de los dos anteriores. Estos son: primero, la abundancia, a partir de cierto volumen del manga, de escenas de sexo explícito, que no es porque a servidor le hayan herido la sensibilidad (de ser así, ni siquiera me habría leído el manga!), de hecho un par o tres de estas escenas a lo largo del manga habrían sido correctas (incluso habría ayudado a mejorar la atmósfera del manga), pero el uso que les da Endo es desmesurado y cansino;  en segundo lugar, las escenas de acción, porque a pesar de que hay algunas francamente impresionantes (protagonizadas casi siempre por Kenji Asai), a veces éstas pecan de excesivo sadismo, en el sentido de que está bien que salga sangre y no se corten a la hora de mostrar la violencia de este mundo distópico, pero de nuevo, el uso que hace de ellas por parte de el autor a veces resulta agotador, cansino incluso; y finalmente, el uso del humor, que es un factor más subjetivo, pero que por lo que he visto después de hablar con otras personas que han leído el manga también están de acuerdo conmigo, y es que Endo utiliza el humor a veces cuando no toca, en escenas que están cargadas de dramatismo y en las cuales el guiño humorístico es, no sólo innecesario, sino que quita trascendencia al componente trágico de esas escenas.

Podría enrollarme más, pero considero que esta entrada ya es suficientemente larga. He de decir que he omitido muchos detalles, y algunos importantes, acerca de la historia y los personajes del manga, debido al riesgo de spoilers.

En conclusión, un manga que empezó de forma sublime y que, debido a los errores mencionados en esta disertación, no se le puede calificar de obra maestra. Eso sí, es un manga de los que cala hondo en todos aquellos que lo lean, y a pesar de sus errores, yo personalmente lo recomiendo a todos aquellos que intenten huir de la comercialidad y de los tópicos de la gran mayoría de mangas actuales. Unos grandísimos personajes, una historia interesante y reflexiva, junto con una gran ambientación, hacen de este manga una lectura obligatoria para los amantes del buen manga. Y no nos podemos olvidar de Hiroki Endo, ya que si sigue así, puede llegar a convertirse en uno de los mangakas más interesantes de los últimos años, si no lo es ya. Leed “Eden: it’s an endless world” porque os calará hondo, y recordaréis a muchos de sus personajes y sus citas durante mucho mucho tiempo.

Puntuación: 8,5 / 10

]]> http://jaevel.wordpress.com/2010/05/07/eden-its-an-endless-world/feed/ 10 Djevel Eden: it's an endless world Elijah Ballard http://jaevel.wordpress.com/2010/04/11/meme-lo-mejor-de-su-genero-cine/ http://jaevel.wordpress.com/2010/04/11/meme-lo-mejor-de-su-genero-cine/#comments Sun, 11 Apr 2010 20:55:13 +0000 Djevel http://jaevel.wordpress.com/?p=188 ]]> Ya va siendo hora de actualizar esto, ahora que ya ha pasado la semana santa. Y debido a que tengo dos entradas pendientes que le prometí al señor Dath, hoy voy a empezar por cumplir la primera. Aprovecho ahora para comprometerme a realizar antes del verano una entrada sobre mi Top 10 de anime, algo terriblemente difícil, pero que cumpliré, más cuando hice que otras personas (véase Dath mismo) lo hicieran a pesar del esfuerzo que supone. Por eso mismo, además de que también me apetece bastante hacerlo, prometo que lo haré. Pero ahora centrémonos en la Meme que nos ocupa.

Se trata de una Meme sobre las mejores películas en diferentes géneros. Ha sido mucho más complicado de lo que creía decidirme por una en cada género, pero creo que finalmente lo he conseguido. Aviso: se trata de una Meme fundamentada exclusivamente con juicios de valor, es decir, que son sólo mis opiniones. Algunas de las películas elegidas, no son ni de lejos lo mejor de su género, pero debido al impacto que tuvieron sobre mi persona, pues he decidido darles un lugar en esta meme en detrimiento de algunas películas que la crítica considera mejores y que son archi-conocidas (motivo por el cual no encontrareis, por ejemplo, La lista de Schindler, película que adoro y que podría estar en alguna de estas categorías, pero que he preferido dejarla fuera por dar voz a otras películas muy buenas también y que no gozan de tanto prestigio). No voy a enrollarme mucho, si quereis saber más de alguna de las películas que he puesto, vedlas!  Así pues, sin más dilaciones, vamos allá.

Mejor película de todos los tiempos El Padrino

He pensado en muchas que le pudieran hacer sombra, pero al final, he tenido que decantarme por esta como la mayoría de mortales. Y es que no por nada es de las mejores películas de la historia. Quizás podría haber puesto el Padrino II, que la actuación de De Niro me parece espectacular también, pero al final he decidido la primera, por la evolución de Michael Corleone y la soberbia interpretación de Marlon Brandon. Nada más que decir.

Mejor película de acción Oldboy

Ya escribí su correspondiente entrada meses atrás, así que poco más voy a añadir. Es una de las mejores películas orientales que ha visto el siglo XXI. ¿Porqué la he puesto en mejor película de acción si no es una película exclusivamente de acción? Pues precisamente por eso. Las películas de acción normalmente son cintas vacías que buscan tres o cuatro explosiones y un par de puñetazos “súper-molones” para provocar pequeños orgasmos en sus espectadores, y eso a mi me provoca náuseas. En Oldboy es diferente, no se abusa de las escenas de acción, pero las que hay, son las mejores que he visto en mi vida (y sí, he visto muchas de películas de acción, y me extraña que aún no me haya vuelto loco después de tales dosis de porquería). Especialmente una muy famosa. Podría colgar el video de esa escena, pero prefiero que veáis la película entera. No os dejará indiferentes.

Mejor película de aventuras Porco Rosso

Antes que nada, diré una cosa alto y claro: detesto Indiana Jones. No puedo con él. De hecho, soy tan caprichoso que cuesta mucho que una película de aventuras me guste. Reconozco que siento cierto aprecio por el capitán Jach Sparrow de “Piratas del Caribe”, pero esa saga es entretenida y ya está según mi opinión. Pero como se trata de poner la mejor película de aventuras que haya visto, entonces no tengo ninguna duda: la mejor película de aventuras que he visto es de animación, del Studio Ghibli, y se llama “Porco Rosso”. Ninguna película de carne y hueso del género aventurero ha conseguido entretenerme, transportarme, emocionarme y relajarme tanto como “Porco Rosso”. Esa atmósfera de los años veinte, muy jazzística (tiene una atmosfera similar a “Casablanca”, aunque argumentalmente no tienen nada que ver), con esa animación, con esos personajes tan memorables (imposible no sentir empatía o aprecio por el protagonista, el cazarecompensas del aire llamado “Porco Rosso”), el espíritu de fraternidad tan característico de Hayao Miyazaki…. todo. La mejor cinta de aventuras que he visto, y de momento, ninguna le ha llegado a la altura.

Mejor película bélica Senderos de gloria

Poco que decir, de las mejores películas bélicas (y antibelicistas) que hay, además de ser una de las mejores que se han hecho. Obra maestra del genio de Kubrick.

Mejor película biográfica Léolo

De nuevo, ya hice una entrada sobre esta película canadiense meses atrás también. Dado que la película gira constantemente sobre la vida de su protagonista, Léolo, he decidido encasillarla aquí. No es la típica película biográfica precisamente, pero lo es en su manera. Los que hayan visto la película lo entenderán, especialmente si han llegado al final de la misma. La vida que se describe aquí no es la vida “material” del protagonista, sino la evolución de la vida “espiritual” (por así decirlo) del mismo, cómo Léolo y su mundo van evolucionando a la vez que se topa con la dura y sucia realidad que le rodea. Podría dar muchos detalles para hacerme explicar (ya que comprendo que la gente no pueda entender aún porqué está en esta categoría), pero daría bastantes spoilers y prefiero evitarlo.

Mejor película cómica La vida de Bryan

Porque los Monty Python son los mejores humoristas que han existido sobre la faz de la tierra. Películas como “Los caballeros de la Mesa Cuadrada”, “El sentido de la vida” y esta película misma lo demuestran. Combinan a la perfección el humor absurdo con el inteligente, y realizan discretamente una mordaz, satírica, e incluso sádica, disección del surgimiento y consolidación de las grandes religiones monoteístas (especialmente del cristianismo). Para un ateo como yo, esto es irresistible. Eso sí, tiene que gustarte un poco el humor absurdo y el humor inglés, de lo contrario la detestarás.

Mejor película space opera Star Wars: El imperio contraataca

No soy precisamente un fan de este género, pocas space opera me gustan, y estas pocas son series y no películas. Así pues, elijo este gran clásico. No soy fan acérrimo de Star Wars, pero esta película me gustó y tiene escenas muy muy conocidas, así pues, aquí la pongo.

Mejor película de ciencia ficción Blade Runner

Sencillamente, porque es uno de los padres del cyberpunk en el mundo del séptimo arte y una de las mejores películas de ciencia ficción que existen.

Mejor película deportiva Million Dollar Baby

Otra película encasillada aquí casi con pinzas considerareis algunos, pero en mi opinión, se adecua perfectamente a la temática (porque de toda la vida, el boxeo es un deporte, no nos engañemos). De nuevo, se trata de una película depotriva completamente atípica y diferente a las de su género, que es más dramática que deportiva, pero que sin este último elemento, la película no existiría. De la mano de Clint Eastwood, es una soberbia película, muy conocida, y que si aún queda alguien que no la haya visto, que lo haga.

Mejor película dramática Mi pie izquierdo

Habiendo tantas películas que muchos podrías considerar superiores objetivamente a ésta ¿porqué demonios has elegido poner “Mi pie izquierdo”? Pues muy sencillo. Porque a pesar de sus errores (pocos en mi opinión), es uno de los dramas que más recuerdo. Porque fue realizada con un presupuesto bajísimo, a diferencia de la mayoría de dramas. Porque es irlandesa y de James Sheridan, y por ende, escapa de los errores en los que a menudo caen los dramas de Hollywood. Porque se enfoca al protagonista, quien padece una parálisis cerebral, de tal forma que no lo impregnan de piedad y compasión, sino que induce a la admiración y empatía con el mismo. Porque es un drama como una catedral que no cae en los tópicos de la muerte y de la guerra. Porque en ella sale el mejor Daniel Day-Lewis que he visto en mi vida. Porque el mismo Daniel Day-Lewis logra emocionarme en los momentos duros, y contagiarme con su alegría en los momentos felices. Porque es un ejemplo a seguir, tanto en lo que se refiere al protagonista como a la manera de realizar y de llevar a cabo la película. Porque teneis que verla si aún no lo habeis hecho.

Mejor película histórica La batalla de Argel

Aún no he visto “Novecento”, pero seguramente en el futuro ocupará esta categoría. De momento me quedo con “La batalla de Argel”. Magnífica película que narra de forma soberbia la revolución independentista de Argelia durante la descolonización. Sencillamente genial, la adoro. Como casi todo lo que ha hecho Pontecorvo.

Mejor película de temática judicial 12 hombres sin piedad

Una de mis películas favoritas, y sin lugar a dudas, la mejor película de temática judicial que he visto en mi vida. Ofrece lecciones en todos los ámbitos, desde lecciones de cómo hacer buen cine hasta lecciones sobre racionalidad y creencias.  Me encantaría poder enrollarme con ella, pero soy incapaz, es demasiado enorme. Si no la habéis visto y os gusta el buen cine, ésta debe ser a partir de ahora una de vuestras prioridades. Os aseguro que no os arrepentireis. Obra maestra absoluta de Sydney Lumet.

Mejor película de temática religiosa El nombre de la rosa

No he encontrado ninguna película que toque la temática religiosa de forma directa y crítica, y que a la vez, me haya marcado especialmente. Así pues, he decidido poner en esta categoría a “El nombre de la rosa”, que  aprovechando la intriga y la temática en general del libro de Umberto Eco (si no recuerdo mal), realiza un más que aceptable retrato de la Edad Media y del poder de la Iglesia por entonces, a la vez que una crítica a la censura y a la prohibición de la libertad de expresión que religiones como la cristiana y la musulmana han ido llevando a cabo a lo largo de los siglos.

Mejor película de temática musical Bird

Clint Eastwood + jazz + forest whitaker = obra de calidad. No es un musical, pero sí es “temática musical”. Haber especificado más.

Mejor película basada en cómic o novela gráfica The Dark Knight

Aquí he hecho algo de trampa, lo reconozco. Casi todas las adaptaciones al cine de novelas gráficas han sido verdaderas aberraciones (véase “From Hell”, o la tan aclamada “V de Vendetta”, que como adaptación, a mi me parece vomitiva, ya que, por decir sólo un ejemplo, en su adaptación a la gran pantalla es despojada del contenido anarquista del cómic original, un pecado). También detesto a Batman, su traje de cuero sadomasoquista, sus coches de última generación, el esclavo viejo que tiene como fabricante y la superficialidad que transmite el mensaje pseudo-moralista de la obra. Pero en esta película ocurre algo diferente, y tiene nombre y apellidos: Heath Ledger. Su magistral interpretación, asborbe todo el film y lo hace suyo, igual que el Joker en la historia en cierta manera. No me importan los errores y superficialidad de la historia de Batman (es que lo de “Luz vs Oscuridad” siempre me ha producido arcadas), porque siempre que aparece el Joker, quedo hipnotizado por sus palabras, por su forma de andar, por su capacidad de persuasión, por su puesta en escena. Esta película me gusta por Heath Ledger, y por eso decía que había hecho trampa, porque la historia no me gusta, me gusta Ledger. Aún así, bastante buena ambientación y más que aceptables interpretaciones por parte del resto de actores.

Mejor película romántica El camino a casa

Es la única película romántica que sin necesidad de caer en los tópicos de las películas románticas hollywoodenses, trata de mejor forma lo que es el amor sin necesidad de prostituirlo ante la cámara. Es la película romántica más atípica, pero a la vez más propiamente “romántica” que he visto. Sabe transmitir igual o mejor los sentimientos de los protagonistas, e insisto, mostrando lo que el director considera que es un amor “puro”, no platónico o pasajero lleno de olas de pasión (que no está mal, pero a servidor le cansa, y mucho). En fin, ya hice una entrada sobre ella, y nada más que decir. Que Zhang Yimou es un maldito genio y ya está.

Mejor película de terror El más allá (Kwaidan)

No me gusta el cine de terror, no porque sea miedica (sí, puedo ser muy espartano según como me levante), sino porque me dejan frío. La mayoría, o bien juegan con la incertidumbre y aprovechan el tempo de las escenas para introducir las escenas que provocan sustos a los espectadores, o bien se limitan a poner escenas impactantes llenas de sadismo para provocar escalofríos. “El Más Allá” (título original, “Kwaidan”) es diferente. No es una típica película de terror (lo siento, pero todo el rato pongo cosas atípicas, pero soy así de snob, me cansan los tópicos y me gusta ver cosas bien hechas y diferentes). Lo magistral de “Kwaidan” es la soberbia atmósfera que hay durante los 160 minutos (aproximadamente) que dura la cinta. Una grandísima puesta en escena, un uso muy inteligente y apropiado del sonido juntamente con un buen guión, basado en una serie de cuentos japoneses. La película se divide en 4 o 5 cuentos autoconclusivos e independientes los unos de los otros, con el único punto en común de que tratan el tema de los fantasmas y espíritus. Tiene un único defecto (a parte de los años, que es de 1964 y en ocasiones se nota), y es que el ritmo, porque es bastante lenta (se toma su tiempo en el desarrollo de cada cuento, es necesario, pero al final, resulta algo lento igualmente). De nuevo, lo mejor es su atmósfera: tan lírica como fantasmagórica, y muy muy japonesa. El señor Kobayashi, otro genio del séptimo arte.

Mejor película thriller Seven

No he visto aún una película que seguramente conquistará esta categoría, “M, el vampiro de Düsseldorf”. Así que de momento voy a poner “Seven”. Podría enrollarme sobre ella, pero es tan conocida por todos que no perderé el tiempo intentando convenceros de lo buena que es. A todos los que conozco que la han visto, les encantó. Grandísimo Kevin Spacey. Un thriller a recordar.

Mejor película de cine noir Muerte entre las flores

Los hermanos Coen no sólo realizan una buena película de cine negro en una época en que el género ya estaba bastante en desuso (similar a la reinvención del western que hizo Clint Eastwood con “Sin perdón”). Si coges buen cine negro y lo impregnas con el aroma de los hermanos Coen, el resultado no puede ser más que sobresaliente. Y así es esta película, muy buena.

Mejor película “clásica” (blanco y negro) Luces de la ciudad

Aquí no sabía qué poner, porque tengo graves problemas con el cine clásico (más que nada porque me falta mucho por ver, véase “Qué bello es vivir”, “Ser o no ser”, “Ciudadano Kane”, etc., sí de acuerdo, lo mío es pecado, pero ahora es lo que hay). Así pues, pongo ésta de Chaplin, que es absolutamente genial. Para mi, lo mejor que ha hecho junto al “Gran dictador” y “Tiempos modernos”.

Mejor película “Western” Sin Perdón

Aquí no me enrollaré nada, ya hice una entrada de ella y los comentarios del mismo Dath que realizó en esa entrada, expresan todo lo que podría decir de esta película. Una película western que no cae en los errores y tópicos del western. Grande Clint Eastwood.

Mejor película de animación La princesa Mononoke

La mejor película de animación que he visto en mi vida, y que cada vez que la veo, sigue gustándome aún más. Dath hizo una crítica soberbia sobre la película, i si a él no le importa, mantendré el enlace para que podais degustar tal disertación. En fin, la mejor película de animación que he visto y la que más me ha marcado.

Mejor película de juego No existe. De hecho no he visto ninguna adaptación que ni siquiera fuera buena.

Esta categoría puede conducir a dudas, yo la he interpretado como mejor adaptación de un videojuego, y para mi todas las adaptaciones que he visto de videojuegos en la pantalla grande han sido auténticas infamias. Y si existe, que alguien me la recomiende, se lo agradeceré.

Mejor película de autor Manhattan

Tengo debilidad por esta película. Una de las mejores que ha hecho Woody Allen. Un retrato cargado de sátira sobre las relaciones entre la clase intelectual neoyorquina que Allen aprovecha para mostrar cuánta immadurez albergan en la realidad muchos de los espécimenes de la clase intelectual de nuestros días.  Buena música, geniales personajes y un gran desarrollo. Allen en estado puro. Si no habéis visto nada de Woody Allen, teneis que ver ésta, y si sois fans de él, entonces más que más. Para mi, una de sus mejores obras, si no la mejor. Una joya.

Mejor película independiente Ciudad de Dios

Fue la primera película que analicé en este blog, así que tampoco me enrollaré. Una grandísima joya del séptimo arte. Y de nuevo, no es americana. Hay que verla.

Para ir acabando, esta meme no quiero obligar a nadie a hacerla. Ahora bien, si ChusZ, o Vaisens, o Er guiri, o Fausto, o incluso Mrithail (si vuelve del olvido!) ven esta entrada y están motivados a realizar esta meme, les pediría que no se hiciesen atrás, que sus gustos son muy interesantes, tal y como han demostrado en sus respectivos blogs en muchas ocasiones (todos ellos en mi “Blogroll”).

En fin, esto es todo. Quiero advertir de que esta lista en el futuro seguramente cambiará, y mucho. Sobre todo porque aún me faltan muchísimas dosis del cine de Hitchcock, Wilder, Eisenstein, Mizoguchi, Murnau, Kurosawa, Buñuel, Berlanga, etc. Pero esta meme ha sido realizada ahora, y ahora mis gustos son estos. Me reafirmo en lo que he dicho al principio de esta larga entrada: antes del verano realizaré mi top 10 de series de anime, porque se lo debo a la persona que he mencionado al principio, porque me apetece, y porque con la desinformación y porquería de anime que nos llega en este país, hay muchas obras que merecen ser conocidas y disfrutadas por todos los fans del género, e incluso por los fans del buen arte.

Guy Delisle es un dibujante quebequense nacido en la propia capital de Quebec. Este autor, de mente inquieta y con un muy particular espíritu aventurero, siempre realiza en sus trabajos las funciones de protagonista, guionista y dibujante, con lo cual, siempre se tratan de novelas gráficas muy personales (que no necesariamente intimistas). Además, el hecho de que esté casado con una miembro de Médicos sin Fronteras, le ha sido de gran ayuda al québécois para encontrar material sobre el que desplegar todo su talento artístico.

El prestigio internacional de Guy Delisle vino de la mano de dos novelas gráficas muy aclamadas por la crítica: “Shenzhen” (2000) y “Pyongyang” (2003). En estas obras, por motivos normalmente relacionados con sus trabajos realizados con estudios de animación o por viajes de su mujer, emprende un viaje en la República Popular de China y Corea del Norte respectivamente, donde Delisle permanecerá unos cuantos meses sumergido en el clima social y político de esos países asiáticos. En ambas obras, Delisle ofrece su particular visión tanto de la cultura y las costumbres del país huésped como de la incidencia que ejercen los gobiernos sobre sus respectivas sociedades. Ése es el estilo narrativo de las obras de Delisle (al menos de las dos anteriores y de la que nos ocupa): novelas gráficas moldeadas en forma de crónicas que pivotan sobre las experiencias e impresiones del autor acerca de la situación existente en los países en los que se establece.

Así pues, “Crónicas Birmanas” (2007) tiene como punto de partida la llegada del québécois a Rangún, capital de Myanmar, junto a su mujer y a su hijo de pocos años de vida. Allí, permanecerá unos cuantos meses, donde experimentará en primera persona la realidad de un estado la cual apenas es conocida. Desde su particular punto de vista, nos presentará cómo son los birmanos y cómo es su cotidianidad; cómo funcionan y operan las ONGs establecidas en estados dictatoriales como Myanmar; nos mostrará cuáles son sus curiosidades, impresiones y miedos como occidental en un país oriental; y demás realidades políticas y sociales de este país tan desconocido en Occidente.

Consiste en un único tomo segmentado en una gran multitud de “sketches” normalmente auto conclusivos, los cuales giran en torno a las experiencias del quebequense, que van des de las conversaciones sobre temas políticos que tiene con sus compatriotas de Médicos sin Fronteras o de otras ONGs hasta sus simples paseos por las ciudades que visita y que siempre suponen una aventura llena de cosas dignas de recordar. Mediante el uso de un trazo simple pero rico, Delisle logra con creces mostrar tanto la situación como la ambientación de Myanmar que él percibió en su estada en el país asiático. Grandes dosis de ironía acaban por completar este retrato de un país en el que los militares ejercen de forma implacable el poder coactivo y coercitivo mediante, entre otras cosas, la restricción de las libertades individuales y colectivas, la censura y, en general, la vulneración reiterada de los Derechos Humanos. Sin embargo, Delisle no permite que esta cruda y cruel realidad impregne de tristeza y desesperación su obra. El autor combina eficazmente la triste realidad de Birmania con el día a día de los autóctonos, mostrando que a pesar de las duras condiciones políticas y económicas en que viven, no por ello dejan de disfrutar de esos pequeños detalles y placeres que la vida otorga altruistamente a todos aquellos que son arrojados a nuestro mundo. A algunos quizás no les gustará las pinceladas humorísticas e irónicas que abundan en esta novela gráfica, pero en mi opinión son un auténtico acierto, ya que Delisle consigue de esta forma un desarrollo ameno, divertido e interesante, a la vez que muestra la dura situación de ese país y de sus gentes.

El punto de vista de una persona tan curiosa y sencilla como Guy Delisle supone una bocanada aire fresco sobre la novela gráfica política (por así llamarla). Así pues, “Crónicas Birmanas” no es un escrito político que se limita a criticar la situación de una de las dictaduras más férreas del mundo contemporáneo mediante una novela gráfica, sino que el autor simplemente realiza un retrato de la situación política, cultural, social e incluso económica de la Birmania actual (no olvidemos que Myanmar es el nombre oficial que los dictadores otorgaron al estado birmano), que él percibe. Y este último detalle es importante, porque esta novela gráfica no deja de basarse en la experiencia personal que el quebequense tuvo durante su estancia en Birmania.

Ahora bien, considero muy recomendable la lectura de esta novela gráfica a todos aquellos interesados en leer un cómic ameno y divertido, a la vez que crítico con la política del país huésped. Una disección de la dictadura militar birmana que es bañada en la ironía y la curiosidad de un simple visitante occidental, tan desconcertado por la realidad política y económica del país, como apasionado por la actitud y costumbres de esas sencillas gentes que habitan el averno militar tildado por sus guardianes como “Myanmar”.

Puntuación: 8/10

Iba a actualizar sobre una película llamada “Queimada”, pero mi último viaje al cine de esta semana me ha dado otro tema, así que antes de que se me olvide o pase demasiado tiempo, aprovecho para hablar de esta película de la que tantas ganas tenía: The Road.

El nombre de John Hillcoat, el director de la presente cinta, era totalmente desconocido para mi. Nunca había oído hablar de él ni de sus trabajos anteriores. Y por lo que he podido comprobar, se trata de un director australiano cuya filmografía está compuesta simplemente por dos o tres obras más, la más conocida de las cuales es una obra australiana llamada “The proposition”. Si eso no fuera suficiente, tampoco había tenido la oportunidad de leer el libro original de esta obra, así que lo único que sabía de antemano sobre la película era la información que proporcionaba el cartel publicitario de la película: una cinta de índole post-apocalíptica cuyos protagonistas eran un padre, encarnado por Viggo Mortensen, y su hijo. Nada más.

Como ya he adelantado, la trama se ubica en un mundo distópico, arrasado por un misterioso cataclismo que ha acabado con casi todo signo de vida de la tierra. Sólo quedan los cadáveres de los árboles de antaño, apenas hay formas de vida animal, y el hombre se ha visto arrojado de nuevo a su condición original: la de un animal ordinario que lucha por sobrevivir en medio de un mundo adverso, y lo que es peor, en un mundo sin humanidad. Un mundo en que el hombre incluso se ve obligado a devorar a los de su misma condición si desea sobrevivir. La misión del padre no es otra que garantizar la supervivencia de su hijo, y para ello, emprenden un viaje a través de este mundo en el que la esperanza hace mucho que murió.

Con una temática así, es difícil (almenos para un servidor) no sentirse atraído por esta película. Pero lamentablemente, una idea/historia interesante (que no una idea original, porque original no lo es) no es suficiente para hacer de un film una obra que también sea interesante. Para empezar, uno de los grandes peligros de toda obra cinematográfica: el ritmo, el tempo de la película. Conseguir un buen ritmo, ni muy lento ni muy rápido y que a la vez mantenga al espectador absorbido durante todo el metraje, no es algo fácil de conseguir ni siquiera para los grandes maestros del séptimo arte. En este caso, el ritmo es excesivamente lento. Algunos dirán que es adecuado para la temática y el devenir de la historia, pero hay una diferencia significativa entre un ritmo pausado y un ritmo lento. En el caso de The Road, el ritmo es lento, pero en ocasiones es insufriblemente lento, donde se abusa en exceso de las escenas en que las caminatas de los protagonistas tienen lugar.

A tal lentitud, se le añade otro problema des de mi humilde punto de vista, y es que aunque el tema daba para mucho, la historia o bien no se explotó como se debía o bien era sencillamente pobre. Al no haber leído el libro, desconozco si se trata del segundo caso, pero si olvidamos este hecho y nos centramos únicamente en la cinta, entonces la respuesta es más que clara: es una historia más bien pobre. Una historia con toques de crueldad natural acompañada de cierta moraleja (no tan subliminal) de ecologismo que simplemente se limita a contarnos cómo sufren un padre y su hijo en medio de un mundo medio muerto, y que en el fondo las personas no somos más que animales domesticados por nuestros propios stándares o pautas de conducta, en un intento de “humanizarnos” y olvidar nuestros orígenes. Es una película que peca precisamente de su vertiente descriptiva; se pierde en la descripción del mundo que recrea y no desarrolla una historia propiamente dicha. Algunos dirán “es que la intención de la cinta es ésta”, entonces les diré que no por ello deja de ser una historia pobre. Otras distopías como la del anime/manga Akira, o otras películas archiconocidas como 12 monos o Hijos de los hombres (otra candidata a salir en este blog), consiguen con creces combinar la descripción de sus respectivas distopías sin por ello sacrificar una trama interesante y compleja.

Eso sí, la ambientación está magistralmente conseguida, así como la fotografía, con esos tonos tan grises y tétricos tan bien conseguidos, son los puntos fuertes de la película junto con la interpretación de Viggo Mortensen y su hijo. Desgraciadamente, no se puede decir lo mismo del cameo de Charlize Theron, una aportación plana y superficial que poco aporta (en términos de calidad) a la película. La música tampoco es destacable precisamente, incluso me atrevería a decir que es nefasta, dado que si una buena OST hubiera complementado a la ya de por sí buena ambientación, el resultado habría sido magnífico (en la recreación de la ambientación post-apocalíptica). También podría empezar a criticar ciertos sucesos (algunos de ellos sin apenas fundamento y otros directamente ridículos) que van teniendo lugar a lo largo de la historia, pero el peligro de soltar algún spoiler me inhibe.

En resumen, una película que prometía mucho y en eso se quedó. Un trabajo excesivamente descriptivo, que olvida el desarrollo de una buena trama, con  una música pésima, con detalles argumentales simplemente ridículos o absurdos y con ciertas interpretaciones secundarias bastante planas, pero que sin embargo cuenta con una buena pareja protagonista, algunas escenas muy bien logradas y una ambientación muy bien conseguida. Es una auténtica lástima que la película tenga tales errores, de lo contrario, el resultado habría sido totalmente diferente. Y por favor, no me vengan con que la película esta llena de profundidad, que tiene un mensaje subliminal muy bueno y apreciable y que esta llena de escenas impactantes y memorables. La exposición de los humanos como animales sociales, tiene más años que el ir a pie, y si el mostrar el sufrimiento de un padre y un hijo arrojados en un mundo de desesperación lo consideran como algo original y sumamente emotivo, les recomiendo, sin ánimo de ofender, que miren más cine y más animación. Antes ya he mencionado unos ejemplos que le dan mil vueltas a esta película.  Podría seguir mostrando ejemplos de porqué no se trata de una buena película, pero para ello, tendría que contarles la película entera, y esa no es la vocación de este blog. En fin, una auténtica lástima que se haya quedado en eso.

Puntuación: 6,3/10

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia

Este texto se publica en multitud de sitios web. Si estás de acuerdo, publícalo también en tu blog.